Wacken post Mortem

"The Road" (La Carretera), el camino hacia la dignidad humana

2010-05-18T04:52:00.000-07:00

Papá, ¿nosotros llevamos el fuego?

La Carretera es de aquellos libros que perduran en la mente de aquél que se atreve a leerlos. Ya pueda ser por su cruenta y dura realidad, por su excelente prosa o por su significado profundo y ardiente, La Carretera no es una novela de ficción más. Es un alegato a la esperanza sobre todas las cosas. Tamaño significado no es fácil de asimilar, más y cuando, el peso de la razón del mismo libro recae en las desventuras de un padre y un hijo en un mundo arrasado y plagado de la más hiriente y peligrosa miseria humana. Cuando se habló de adaptar la novela de Cormac McCarthy a la gran pantalla, muchos se tiraron de los pelos. Casi ningún estudio quería meterse en camisa de once varas ante una novela tan políticamente incorrecta y peligrosa. Más y cuando, toca temas de formas y maneras en las que solo Cormac McCarthy sabe salir airoso. Tras el éxito de No es País para Viejos y el beneplácito correspondiente de la crítica, el camino estaba hecho. La novela ganadora del premio Pulizter tenía material suficiente como para dar a luz un poderosísimo y sobrecojedor largometraje, pero había que ir con pies de plomo. Aunque fueron muchos los nombres que se barajaron en la dirección del film (se llegó a rumorear que los mismísimos hermanos Coen se pondrían detrás de las cámaras), el peso recayó en un hombre relativamente desconocido, John Hillcoat, que lo único que tenía en su haber era un excelente y extraño western, La Proposición. En la distribución de papeles, también hubo controversia. Si bien nadie ponía en duda que el papel del Padre recaería en el siempre eficiente Viggo Mortensen, hubo muchísimas dudas y problemas al ver que el rol de la Madre, acabaría en Charlize Theron. No por su elección, si no por el supuesto peso que cobraría en la película su personaje (más del que tenía en el libro). Gracias a Dios, todos esos rumores y dudas, han acabado haciendo aguas por todos lados.

La Carretera nos cuenta la historia del viaje por la supervivencia de un padre y un hijo en un futuro post-apocalíptico. Tras un desastre indeterminado (¿y quién necesita saber realmente que pasó?), el mundo tal y como lo conocemos, se desmorona. Los animales mueren, lo que fué verde, ahora es gris. Lo que antes crecía, ahora se pudre. Las ciudades han quedado desiertas, llenas de ceniza y escombros. Los pocos supervivientes, se dedican a viajar como refugiados hacia otros lugares en busca de algo mejor, esquivando y sorteando a las peligrosas bandas de caníbales que pueblan las carreteras. En medio de todo el caos, El Padre (Viggo Mortensen) y el Hijo (Kodi Smit-McPhee) intentan sobrevivir de la mejor manera posible, mantiendo la integridad que caracteriza al género humano.

La Carretera es una película de personajes. El peso de la historia recae en los dos avatares protagonistas, y el desarrollo de la película se basa en sus acciones, pensamientos y recuerdos. La química presente entre Viggo y Kodi es realmente maravillosa. Es tan palpable, real y creíble, que hay momentos en los que piensas que son padre e hijo en la vida real. Jamás en mis años de cine (y se pueden decir que no son pocos) he visto una relación tan bonita y hermosa, tan deliciosamente real, como la que se puede ver en el film. El Padre, una persona supuestamente acomodada a la vida con su esposa en un mundo ideal, se ve forzado a criar solo (tras la negativa y egoísta reacción de su esposa al dar a luz) y llevar hacia un buen lugar a su hijo en un mundo que no se lo pone fácil. Se ve obligado a cargar con el peso de una criatura a la que quiere mostrarle lo mejor de un universo que se desmorona poco a poco e intenta hacerle lo más llevadero posible la elección de vivir en tales condiciones. Es la dualidad entre La Madre (interpretada en los recuerdos del Padre por Charlize Theron) y El Padre, la que nos hará ver como la figura del personaje de Viggo Mortensen es alguien sacrificado, noble y justo ante la adversidad (una persona de principios), mientras que por el contrario, su esposa se refleja como el egoísmo más puro y carnal. Debilidad que también escojen todos los que deciden olvidar todo aquello que nos hacía humanos y caminan hacia la pérdida absoluta del enterismo en pos del más salvaje y despiadado canibalismo, y que está presente y reinante durante todo el film. Durante su viaje, se verán sometidos a durísimas pruebas y situaciones, que revelarán la naturaleza de ambos (el fuego como lo denominan la pareja protagonista). Situaciones, que si en el libro se reflejaban agustiosas, duras o conmovedoras, en su traspaso a la pantalla, se ven aún más demoledoras. Momentos cuando se encuentran con la emboscada de caníbales y El Padre se ve obligado a disparar a uno de ellos (con el consiguiente llanto por miedo, terror y desconcierto hacia la figura de su padre por parte del hijo) o el encuentro con la figura del hombre viejo por la carretera (elocuente y buen personaje interpretado por el gran Robert Duvall).

Es el retrato de la pareja protagonista lo que dota verosimilitud a todo el largometraje, conectando con todo aquél espectador que esté realmente pendiente e identificado con los problemas y visicitudes de ambos. Todos sabemos de la calidad interpretativa de Viggo Mortensen, el cual hace lo que tiene que hacer en todo momento, pero la verdadera revelación de La Carretera se llama Kodi Smit-McPhee. Un tierno infante que arrebatará el corazón de los más duros del lugar, y que tiene momentos en los que está realmente magnífico, conmoviendo con sus miradas, llantos y gestos. Es la inocencia en un mundo vilmente embrutecido lo que hará que te transportes e identifiques con el pequeño mundo que está intentando construír su padre alrededor de él. En definitivas cuentas, una actuación de libro. El chico tiene madera, y no son pocos los que piensan que es el próximo Christian Bale (recordad su papel en la excelente El Imperio del Sol), dado sus duelos interpretativos con un actor de la talla de Viggo. Tiempo al tiempo (aún es pronto para hablar sobre la carrera del niño), pero hay que tener un ojo encima de él.

Para dar ejemplo de que La Carretera es una obra maestra en todos y cada uno de los apartados que toca (y no solo a nivel de actuaciones), decir que estéticamente, La Carretera está a otro nivel. La fotografía de nuestro compatriota Javier Aguirresarobe es digna de admiración, abogando por tonos grises y apagados, sucios y ocres, sin nada de iluminación artificial y dependiendo de los caprichos del astro rey para rodar (si se levantaban las nubes en el set de rodaje, se paraba todo). Tiene algunos momentos preciosos en el término visual, como son un par de planos aéreos alrededor de ciudades devastadas con enormes barcos anclados y estampados en sus calles y edificios o deprimentes paisajes carbonizados donde los árboles se caen uno tras otro. El escenario apocalíptico es un personaje más en La Carretera, es un compañero más de viaje de la pajera protagonista, y como tal, tiene una importancia vital en el desarrollo de la historia.

La Carretera es una obra maestra. Sin rodeos, sin tapujos. No es de fácil asimilación, es una película pesada y de difícil digestión, pero es una muestra del buen cine en tiempos difíciles, y es transportadora de un mensaje digno y puro en momentos convulsos. Es una oda a la dignidad humana cuando la desesperación llama a la puerta. En los tiempos que corren, donde las salas se llenan de personas que se consideran cinéfilas pero se dedican a contar dólares y centavos en los resultados de las taquillas (como los mismísimos directores y jefes de las compañías a las que tanto critican cuando solo miran por el vil metal) y en los que o estrenas tu película en chorrocientas dimensiones o no eres nadie, La Carretera brilla por luz propia. Brilla en un océano de ceniza cinematográfica gracias a sus actuaciones, a su grandioso y eficiente guión (una de las mejores adaptaciones jamás vista) y a una estética y fotografía digna de admiración. La Carretera es una de esas películas ignoradas, casi de culto, que con el paso del tiempo, serán recordadas como joyas de su tiempo, cintas que no tuvieron la suerte ni la publicidad necesaria para ser recordadas por el gran público (ni por la crítica, como es evidente dada su no inclusión en ninguna de las candidaturas a los Oscars), pero que perduran en las retinas y corazones de todos aquellos que en su momento apostaron por ella. Ahora es el momento de reflexionar y pensar seriamente, si uno lleva el fuego cuando nos referimos a eso de amar el cine haciéndolo perdurar mediante el recuerdo y la honra o si por el contrario se encuentra en el colectivo devorador de las películas espectáculo cuales caníbales cinematográficos. Si está entre los primeros, no se la pierda. Lo agradecerá.

http://open.spotify.com/album/0w9ZV8fOJuCXb9MqHPkTKG

La banda sonora es simple pero emotiva, a cargo de la pareja que nos brindó la excelente pista de audio de El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, Nick Cave y Warren Ellis.

En definitiva, os la recomiendo a todos.

Hasta la proxima.

WPM

Comix Time: Empezamos.

2010-05-16T14:06:00.000-07:00

Me presento como el nuevo integrante del blog, soy Khultar y me dedicaré a escribir sobre comix. Sigo varias series regulares de DC, asi como de vez en cuando algo de Marvel. Pero lo que mas me gusta es ese comic de autor, con el que te puedes encontrar con historias increiblemente originales y con generos que abarcan mucho mas alla de los capas y pijamas. A pesar de ser una faceta del comic con una gran importancia, las grandes compañías no suelen apostar por estas, excepto alguna linea dedicada a esto, como pueden ser las lineas Icon de Marvel o la linea Vertigo de DC.

En este primer post, en vez de empezar a hacer reseñas de comix quiero poner una traduccion del "Manifiesto Del Viejo Bastardo" escrito por el guionista de origen ingles Warren Ellis; a modo de epilogo a los post que vaya a ir publicando.

El manifiesto del Viejo Bastardo

por Warren Ellis

Mejor antes del 01/01/01

La gerencia no se hace responsable por fechas de vencimiento incorrectas.

La gerencia no se hace responsable de tu enojo, tu desconcierto o tu insuficiente inteligencia.

La gerencia no está interesada en tu respuesta.

Trabajo propenso a mutación espontánea.
Freeware ideológico: distribuir a voluntad.

1

Éste es el momento. La industria Occidental de los comics está dispersa, desenfocada, gravemente confundida. Períodos tales son óptimos para la revolución violenta. El Viejo Bastardo dice que afiles tus hachas, arregla tus asuntos y empaques tu Royphnol; salimos en un viaje para reclamar la industria de los comics y rehacerla a otra imagen. Específicamente, la mía.

2

La cultura pop se está oscureciendo de nuevo. Acéptalo y deja de quejarte, o quédate en tu casa y sigue intentando convencer a tu anciana madre de que en realidad no estás sentado en tu cama oxidada y crujiente fantaseando con Betty y Verónica. Las personas que se niegan a ver en qué tiempos estamos son un exceso de equipaje.

Deja de quejarte acerca de lo que te estoy diciendo el tiempo suficiente como para escuchar lo que te estoy diciendo. Sé un adulto.

3

La novela gráfica o álbum (u otra nomenclatura más adecuada aún por acuñar) es la forma óptima para los “comics”. La forma intermedia es la serialización a través de una colección, lo que solía llamarse “miniserie”. DC Comics no se convirtió en la editorial No 1 en términos de ventas gracias a sus títulos regulares. Se convirtió en la editorial No 1 gracias a los masivos y crecientes ingresos generados por sus novelas gráficas y álbumes. Los comics no son “entretenimiento habitual” que necesita permanecer estático y requiere ser difundido regularmente hasta que la muerte nos separe. Esas son las tiras de prensa, e incluso a ellas a veces se les permiten finales dignos. A los comics, como a sus medios relacionados, las novelas y el cine, se les debe permitir contar historias completas. Si no puedes manejar eso, entonces realmente necesitas estar en otro negocio. Aquellos que nos apoyen serán recompensados con un incremento en las ventas y les será dado el regalo del Futuro. Las personas que intenten detenernos serán pisoteadas.

4

Una vez, los personajes fueron la parte más importante de una revista para su audiencia. Luego, la marca de la editorial se volvió lo capital. Después emergió un cisma, donde por cada persona que se alineaba detrás de una editorial, otras se alineaban detrás de una familia particular de revistas de una editorial. Todos esos sistemas de identificación se están yendo por la senda del dodo en el nuevo siglo. Pero una nueva alineación está emergiendo. Más y más tiendas están acomodando sus revistas no por editorial, no alfabéticamente por título, sino por creador. Lo cual tiene sentido. ¿Vas a la disquería y buscas el nuevo long-play grabado por tu grupo popular favorito por compañía discográfica? ¿Vas a buscar el single de Eels en la sección de Dreamworks de Tower Records? Por supuesto que no, carajo.

Nadie quiere que los creadores parezcan más grandes que los personajes. Los editores odian la noción de que Grant Morrison pudo haber sido algo más importante para ACTION COMICS que la presencia de Superman – tal vez que los personajes no se vendan a sí mismos y los creadores sí pueda tener algo que ver con eso.

La gente responde a las reseñas y las apariciones en los medios masivos y los recuerdos entrañables cuando entra a las tiendas en busca de lo nuevo de Neil Gaiman, o lo nuevo de Alan Moore, o lo nuevo de Frank Miller. Así que acomoda de acuerdo a eso. Deja que la gente tenga una sección de Neil Gaiman en las tiendas, o de Alex Ross, o de Will Eisner, o de Grant Morrison. Puede que no seamos un medio adulto todavía, pero si nos vestimos como tal, podríamos acercarnos más a serlo.

5

Qué se jodan los superhéroes, francamente. La noción de que esas cosas dominan un género entero es absurda. Es como si cada librería del planeta tuviera en noventa por ciento de sus estanterías repletas por novelas de enfermeras. Imaginate eso. Quieres una novela nueva, pero tienes que vadear entre trescientos nuevos libros acerca de romances en los pabellones antes de poder encontrar cualquier otro género. Un medio donde la relación de ficciones acerca de enfermeras sobrepasan a la ficción literaria mainstream en una proporción de cien a uno. Los comics de superhéroes son como un maldito hongo asqueroso y asfixian todo lo demás.

Ha estado de moda y se ha hecho una tendencia, recientemente, decir que los superhéroes están, ya sabes, bien. Y, si están bien hechos, estoy de acuerdo contigo. Hay espacio para toda clase de buenas obras, no importa de en qué género estén.

Pero eso no te excusa de salir e incendiar todas las malas obras hasta las putas raíces con antorchas. Eso no excusa toda la basura innombrable que DC y Marvel e Image y todas las demás arrojan a la calle cada mes. Si quieres leer trescientos comics de superhéroes por mes entonces estás enfermo y necesitas ayuda médica.

Arranca de sus cadáveres humeantes las cosas que llevaron a los comics de superhéroes a dominar el medio – la loca energía, las imágenes asombrosas, el fetichismo, lo que sea – y aplícalas al relato de otras historias en otros géneros. Eso es todo lo que hizo THE MATRIX, después de todo.

6

Lo que dices en la red no importa. Lo que solías decir en las páginas de correo no importa. Nadie te está escuchando. Porque siempre que alguien te pregunta qué piensas, le pides que traigan de regreso a los putos Micronautas. La moneda de tu desinformada opinión está completamente arruinada. Vuelve cuando tengas algo valioso que decir.

7

Demasiada energía de la industria está focalizada en crear comics para chicos que los chicos o no leen o no encuentran. La cultura de distribución de los comics es casi exclusivamente un medioambiente para varones adolescentes de todas las edades. Trina Robbins tiene una devoción fanática por producir comics para chicas, lo cual es genial. Necesitamos más fanáticos genuinos. Pero Trina Robbins produciendo comics para chicas que después son vendidos exclusivamente en la red de venta directa para tiendas especializadas no es nada menos que retardado. Porque las chicas no saben que está ahí. A Mark Waid se lo oye frecuentemente quejarse de que, en IMPULSE, estaba escribiendo una serie infantil que era leída sólo por hombres de cuarenta años. Porque, acá van las noticias; los chicos ya no van más a las tiendas de comics. Incluso los chicos mas nerds van al Virgin Megastore a alquilar juegos de Playstation, si no están en su casa descargando pornografía. A “los chicos” no les importa un culo de rata tu mierda. Si los chicos consiguen comics es porque los compran, o hacen que se los compren, en el kiosco. Y las editoriales abandonaron los kioscos hace mucho mucho tiempo. Demonios, abandonaron los comics infantiles hace mucho tiempo. Quiero decir, ¿viste alguna campaña dedicada a contarle a los padres que hay un comic de las Chicas Superpoderosas que puede conseguirse en las comiquerías? Una de las ventajas de mi trabajo es que obtengo copias de gentileza de todas las revistas DC. Mi hija de cuatro años prácticamente me arranca el brazo para conseguir el nuevo comic de las Chicas Superpoderosas. Si alguien se preocupara lo suficiente, las muchedumbres podrían reunirse mañana en las comiquerías buscando estas obras. Pero no lo hacen. Evidentemente los comics de POKEMON estuvieron oscilando entre algo así como un millón de unidades por mes en cierto punto. ¿Viste a esos lectores en tu comiquería local? ¿Viste esas revistas ranqueadas en el Top 2000? No.

Así que date por vencido. Abandona. Trabajá para hacer que las comiquerías sean lugares donde los adultos quieran entrar. Los adultos son buenos. Muchos de ellos tienen trabajos y por lo tanto tienen dinero para gastar. Dales obras adultas que comprar, el equivalente a novelas o películas. Entiende que cuando escribes CAPE GIRL o ZAP BOY, no estás escribiendo para tu entrañablemente imaginada audiencia infantil. Eso no existe. Estás escribiendo para un varón soltero de cuarenta y cinco años que vive en un departamento de una habitación, que escucha a Madonna y que probablemente se está masturbando sobre tu obra. Quiero que tengas esa imagen en tu cabeza la próxima vez que te sientes a crear una de esas obras. Tu peor fan pesadillezco de convención, bañándose en transpiración mientras fuerza su mirada través de gruesas lentes para ver tu dibujo de Zoom Woman.

Entonces anda y haz algo mejor con tu tiempo. Porque te lo estoy diciendo ahora, se me acabó la paciencia y si no eres parte de la solución, eres parte del problema.

¿Y quién sabe? En unos pocos años, cuando hayamos alcanzado el punto donde la mayoría de las obras dentro de un tienda de comics sean adecuadas para lectores mayores de 10 años, entonces quizás podamos hacer la movida de establecer secciones infantiles, como se ve en las librerías de todo el mundo. Tiene sentido. El material infantil es uno de los sectores más lucrativos de la edición. Una vez que hayas creado un espacio donde los adultos no-hobbistas estén felices de entrar, puede que ellos traigan a sus hijos un día. Y entonces podremos empezar.

8

Yo soy parte del problema. Jodete.

9

Esta es la oportunidad perfecta para empezar a construir un medio adulto. La industria fluctúa, el mercado directo está en problemas. Nosotros aprovechamos los tiempos de cambio y torcemos las cosas siguiendo nuestra poderosa voluntad. Provoca el cambio.

10

Comienza.

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Warren Ellis

Southend

Marzo de 2000

Hasta aquí por hoy el próximo sábado si nada lo impide empezaré con las reseñas.

Reset The World

Bajar los sueldos

2010-05-15T12:07:00.000-07:00

Zapatero acaba de anunciar que, para controlar el déficit público, va a reducir los sueldos de los funcionarios y congelar las pensiones. Esto me hace platearme algunas preguntas.

¿Es esta una medida justa? Pues no. ¿Cómo va a ser justo que uno le bajen el sueldo (o se lo congelen) por las buenas?

Por otra parte, no todos los funcionarios van a sufrir la misma reducción: se les bajará más a los que más ganan. ¿Es esta una decisión adecuada? Pues depende. Peor sería que se les bajase más el sueldo a quienes menos ganan, claro, pero sigue siendo injusto que la bajada de sueldo no tenga ninguna relación, por ejemplo, con el rendimiento o la productividad de cada funcionario.

Que a uno le bajen el sueldo no es justo; que se lo bajen en razón de lo que gana y no de lo que rinde, tampoco. Pero quizás lo más importante no es si esto es justo o injusto. Tampoco es justo que mucha gente se quede en paro, que algunos no encuentren trabajo o que muchos trabajos estén infrapagados… En crisis económica se producen muchas injusticias.

Quizás lo que tenemos que preguntarnos no es si bajar los sueldos de los funcionarios es justo, sino si es necesario. Bueno, lo que está claro es que en la situación en la que estamos, es necesario reducir el gasto público; lo que no está tan claro es que haya que empezar con los ingresos de los funcionarios y de los pensionistas. Podíamos empezar, por ejemplo, por recortar el gasto militar, por reducir el número de cargos políticos “de confianza”, por dejar de pagar complementos salariales de por vida a quienes pasan por determinados cargos públicos, por perseguir en serio los grandes fraudes fiscales, por controlar la corrupción, o por regularizar la situación de los sueldos en los ayuntamientos. Las corporaciones municipales fijan sus propios salarios y la consecuencia de ello es que existen muchos alcaldes en este país (no todos de grandes ciudades, además) que cobran más que un ministro…

Esperemos que la rebaja de los sueldos de los funcionarios y los pensionistas no sea la única medida que se le ocurre tomar a Zapatero para controlar la crisis.

The Rocky Horror Picture Show

2010-05-12T13:32:00.000-07:00

Bien, aunque generalmente mi tema en este blog son las series de televisión, hoy he decidido hablar de una película por la cual estoy algo obsesionada: The Rocky Horror Picture Show

Esta película dirigida por Jim Sharman en 1975 habla de cómo dos jovenes caen en el mundo de picardía y perversión de un científico travesti, pero dejadme que indague más en el argumento.

Argumento

Un criminólogo nos cuenta la historia de Brad Majors y Janet Weiss, una pareja que se promete en matrimonio y va a darle la gran noticia a su amigo y ex-tutor el Dr. Everett Scott. De camino, sufren un incidente y deciden acercarse a la casa más cercana a preguntar por un teléfono.
Al llegar a la casa se encuentran una fiesta un tanto extraña y una serie de estrambóticos criados que les llevan al Maestro que es, ni más ni menos que, un travestido obseso sexual, el cual ha creado una criatura. El resto de la película se centra en la noche que pasan allí y en las situaciones absurdas (y, mejor que eso, bizarras) que les ocurren en ese castillo.

Reparto

Brad Majors (Barry Bostwick): El héroe. Un joven enamorado, valiente pero algo enclenque.

Janet Weiss (Susan Sarandon): La heroína. Mujercita casta y pura que sueña con casarse con su novio.

Frank n' Furter (Tim Curry): Un científico. Travestido que se dedica a crear criaturas para liberar sus "tensiones".

Dr. Everett Scott (Jonathan Adams): Un cientifico Rival. El ex-tutor y amigo de Brad y Janet. Paralítico que estudia a Frank por su extraño entorno.

Columbia (Little Nell): Una groupie de Frank. Chica que sirve al científico, está enamorada de él.

Magenta (Patricia Quinn): Una criada. criada de Frank y hermana de Riff Raff.

Riff Raff (Richard O'Brien): Un criado. Es la mano derecha de Frank, le sirve para cualquier cosa.

Eddie (Meat Loaf): Un chico. Eddie, nada más nacer, llevó su vida por el mal camino hasta acabar en la casa de Frank.

Rocky Horror (Peter Hinwood): Una creación. Es la última creación de Frank, un rubio bien moreno y musculado.

El criminólogo (Charles Gray): El narrador de la historia.

Esta descarada película sale de un musical, así que además de tener acción trepidante nos sorprende con buen hilo musical, bastante frecuente, en el que oíremos cantar a cada uno de los personajes de la película. Así que os dejo un par de videos (no he encontrado más, pero me parecen suficientes)

Esta película me ha gustado por lo diferente y original que es, hay que ser valiente para hacer una película de este estilo en esos tiempos. La recomiendo a todo el mundo por su fantástica banda sonora y personajes, sobre todo el interpretado por Tim Curry (actor al que admiro mucho después de ver esta película por que hay que tener los huevos muy cuadrados).

Y así concluyo, lectores. Hasta la semana que viene.

La biografía de Motley Crue

2010-05-12T08:57:00.000-07:00

Bueno, hoy me apetece hablar de un libro, la biografía de Motley Crue.
Supongo que muchos conoceréis a este afamado grupo, pero para quien no lo conozca:
Motley Crue es un grupo de Glam metal de los ochenta formado por Vince Nail (vocalista), Mick Mars (guitarra), Nikki Sixx (bajista) y Tommy Lee (batería), este último también es conocido por cierto video picante con Pamela Anderson en un barco.
La banda es uno de los grandes iconos del Glam metal de los ochenta, junto con grupos como Poison o Cinderella. Motley son un grupo conocido por su música (con temas como "shout at the devil", "girls, girls, girls" o "too young to fall in love" entre otros) pero, sobretodo, por sus "gamberradas" (por decirlo de alguna manera).
A mi me encanta Motley crue, por eso, en navidades me regalaron la biografía.
Bien, el Libro ya para empezar tiene un gran punto a favor, la sinceridad. Está tan plagada de todo tipo de detalles escabrosos, situaciones bizarras e inmorales que realmente llegas a plantearte que tipo de cosas se callan. Hay momentos en que puedes llegar incluso a despreciar muchas de las cosas que hicieron, como por ejemplo cuando Nikki Sixx cuenta que a los catorce años se cortó en un brazo y le dijo a la policía que había sido su madre solo por que ella le había dicho que bajara el volumen del amplificador. Cada capítulo está escrito por uno de los integrantes del grupo, managers varios, y algún que otro extra, lo cual la hace más entretenida por que tienes varias versiones de toda la historia en todo momento.El libro se hace realmente ameno, es dificil que cada capítulo no te saque un par de carcajadas, aunque también hay partes bastante duras, cuando cada uno narra sus problemas con las drogas, con su familia, incluso Vince Nail en un capítulo cuenta con dolor cuando perdió a su hija de seis años por culpa del cáncer. En esas páginas está Lo bonito, lo triste y lo soez de Motley crue, desde sus infancias hasta practicamente el presente. Aparte de la vida, obra y "milagros" de los chicos, también es interesante que te acerca un poco a saber como eran las cosas en california en aquella época. Muchísimos músicos salen mencionados en sus historias descabelladas, giras con Ozzy Osbourne, juergas con los chicos de Hanoi rocks, miles de altercados y peleas con Metallica, cualquier fan del metal ochentero pasaría buenos ratos con este libro entre las manos.
Está claro que no estoy hablando de una gran obra literaria, pero cumple muy bien su función, entretiene, no se hace pesado y cuenta todo lo que hay que contar sobre Motley crue.

W.P.M

Death Proof: Un quiero y no puedo.

2010-05-10T08:12:00.000-07:00

Let´s go to work.

A prueba de muerte

El punto sangrante de la fallida Death Proof, es que no funciona bien como parodia del género que intenta homenajear. Su estructura de guión es brillante, como siempre en el cine de Tarantino, y sus constantes diálogos (casi el 80% de la película se sustenta en ellos) son buena muestra de ello. Pero hay algo que no termina de funcionar. Primero, es su lento y engorroso desarrollo. La película tarda demasiado en arrancar y en presentar unos personajes, a priori, sosos y algo prescindibles. No es hasta la llegada del bar mexicano de carretera (interesante cameo de Quentin, por cierto) cuando vemos que tipo de avatares intervendrán en la aventura y de que pasta estan hechos. Hasta ahora habíamos tenido una dilatada y algo vacua presentación del grupo de chicas, pero no terminaban de arrancar. Sus conversaciones sobre hombres y demás temas claramente femeninos, son meramente impagables, pero ninguna destacaba por su personalidad. Death Proof son dos películas en una. Por una parte, es una película del típico asesino en serie peligroso de serie B (del conocido como género slasher), y por otra, una excelente road movie con trepidantes persecuciones de por medio. Hasta la mitad de su metraje Death Proof es una película que no termina de funcionar ni arrancar. En la idea original propuesta por Quentin Tarantino, el cambio de juego y concepción argumental (de presa a ratón y viceversa) que podría haber logrado encumbrar a la película como joya y rara avis de la filmografía del director y que a buen seguro hubiese hecho a la cinta más redonda, no termina de cuajar. En principio, es un cambio radical. El personaje de Kurt Russell (El Especialista Mike) pasa de ser el cazador y acosador, al cazado y acosado. Sus presas se rebelan, y su carácter, de ser agrio, chulesco y peligroso, a cobarde. Es la inversión total de los papales. Dicho giro imprevisible, que hubiese sido el golpe de efecto que realmente quería Tarantino, no termina de cuajar.

La presentación del nuevo grupo de féminas es más redonda, cuidada y agresiva que las de la primera comparsa. Si nos ponemos a mirar fijamente las personalidades de cada una, vemos que si mientras las primeras eran chicas comunes, algo aburridas o simples, las nuevas son aguerridas, luchadoras, inteligentes e inconformistas. Es de nuevo la yuxtaposición de ambos grupos lo que hace que las diferencias propuestas en el guión de Tarantino salten a la vista. En la teoría queda genial. Pero en la práctica... Hay cosas que fallan y arrebatan todo logro que se puedise haber conseguido con el presente guión.

El primero de los fallos visibles, es la falta de talento a la hora de actuar de Zoe Bell (la chica especialista en la segunda mitad de la cinta). Entiendo que la intención de Quentin Tarantino fuese la de buscar a una especialista de verdad (no obstante Zoe dobló a la Novia en las escenas de riesgo y acrobacias en Kill Bill) , y que con ello, dotase de una verosimilitud palpable al personaje y a la película en general, pero no funciona. Es una chica mona, preparada y con buena presencia, pero no es una actriz que te sustente casi una hora de metraje. Sobre todo, cuando tienes a una Rosario Dawson que cumple con creces en las situaciones que le planteas. Puede ser que Tarantino tampoco buscase la perfección cinematográfica absoluta (tenemos que tener en cuenta que Death Proof es un homenaje al género grindhouse con lo cuál no hay que buscar una calidad excelsa en todos los apartados), pero si se hace una película de serie B deluxe y con semejante mimo...¡qué menos que cuidar algunos detalles!

Y es lo que nos lleva al segundo punto. Otro de los cambios en la segunda parte de la película, es el tono y el lenguaje cinematográfico. Tarantino es un director que siempre está jugando con el metacine y el lenguaje para/con el espectador. Son constantes los guiños gráficos (las flechitas que señalan importantes personajes en Malditos Bastardos o el detalle de La Novia hablando directamente con los espectadores en Kill Bill Vol 2) en sus largometrajes, y eso, si bien en la primera parte de Death Proof eran notables (pérdidas de rollo, encuadre y defectos de celuloide varios), en su segunda mitad, todo desaparece en pro de un rodaje meramente digital, estético y limpio. No es muy lógico, que una película que es un claro homenaje a un género tan particular como el grindhouse o el exploitation, quede tan refinado, pulcro, frío y vacío por el cambio de la forma de rodar. Robert Rodríguez en su hermana de concepción, Planet Terror estuvo muchísimo más inspirado, con constantes defectos de celuloide, pérdidas de rollo y sonido o problemas visuales varios. Sabe utilizarlos en su película, sabe jugar con ellos y sacarle provecho para la particular narrativa de su cinta. Tarantino, por extraño que parezca, no. Si bien al principio parece que intenta usarlos como su amigo mexicano, cuando la película cambia de rumbo argumental, se olvida absolutamente del tema. Es un problema bastante evidente, pues todo sentido paródico del género queda diluído, y la parte que parecía mejor cinematográficamente hablando, queda coja.

Death Proof en definitiva, es una película de contrastes. Tiene cosas buenísimas, como su excelente libreto (apoyados en unos diálogos fluídos e interesantes como a los que nos tiene acostumbrados Tarantino) y su maravillosa selección musical. Intenta aportar un giro imprevisible con un revulsivo al género slasher y de serie B con un cambio hacia la mitad de la película, pero no termina de funcionar. Unos personajes que no terminan de ser creíbles y una falta de tacto en el lenguaje cinematográfico propio del género al que padorian, lastran por completo el resultado final de una cinta que podría haber sido muchísimo más de lo que ha acabado siendo.

Hasta la próxima.

WPM

Operación bikini

2010-05-09T10:09:00.000-07:00

Se acerca el verano y ya estamos, como todos los años, hablando de la “operación bikini”. En unas revistas nos cuentan cómo perder antes del verano “esos kilos que te sobran” con una dieta más o menos milagrosa; en otras nos advierten del peligro de someterse a dietas sin control médico, de lo rápido que se vuelven a ganar los kilos que se pierden deprisa…

Hay varias cosas en este fenómeno que me desconciertan (y me cabrean también, para qué nos vamos a engañar).

La primera de ellas es por qué “bikini”. Todo esto, según parece, es un asunto de mujeres. No quiero desatar aquí mi vena feminista (que la tengo), pero, por poco feminista que me ponga, vamos a ver, ¿cuál es la cuestión? ¿Los hombres no necesitan adelgazar y las mujeres sí? No creo que haya más sobrepeso entre las mujeres que entre los hombres. La cuestión es que el aspecto físico de los hombres, por muy metrosexuales que se hayan vuelto algunos, importa relativamente, mientras que para las mujeres se considera que ese es un asunto crucial. Y sí, no nos engañemos: estamos hablando de aspecto, no de salud. La obesidad mórbida no es el objeto de las dietas tipo operación bikini. La operación bikini es cosa de mujeres igual que es cosa de mujeres teñirse las canas o depilarse las axilas. No hacen falta muchos argumentos para demostrar que, objetivamente, pelo es pelo, sea de hombre o de mujer, canas son canas y grasa corporal es grasa corporal. Me parece perniciosa esta presión social que sufrimos las mujeres para adaptarnos a determinadas “normas” de aspecto físico y arreglo personal.

La segunda son las dietas en sí. Supongamos que, en efecto, necesitamos perder peso… Todo esto de las dietas rápidas y las dietas-milagro es una tomadura de pelo porque, en realidad, adelgazar no tiene ningún secreto: hay que gastar más de lo que se ingiere. Hay mil formas de conseguirlo, pero comer una sola cosa durante días o sustituir comidas por barritas de distintos tipos no parecen las formas más razonables.

La tercera es la exaltación de la delgadez. Ya parece un tema trillado lo de la excesiva delgadez de las modelos y el mal ejemplo que constituye, sobre todo para las adolescentes y las mujeres jóvenes, pero no debe de estar lo bastante trillado cuando se sigue considerando que es genial estar muy delgada. Es más, para ser completamente genial no basta con estar muy delgada; además, tiene que conseguirse sin mucho esfuerzo. Las que consiguen estar delgadas porque hacen mucho ejercicio y miden bien lo que comen, en el fondo son unas pringadas. Las verdaderamente guays presumen de comer mucho y de todo (sobre todo dulces y chocolate) sin engordar nadita de nada. Esto sí que tiene bemoles, porque esto de comer y comer sin engordar sería, en todo caso, una grave anomalía genética, evolutivamente hablando. Estas personas que necesitan tantísimo combustible para obtener tan poquito resultado tendrían problemas para sobrevivir en una sociedad menos rica que la nuestra, así que la cosa no es como para presumir…

Hace falta un poquito de sentido común con esto del peso y del aspecto físico en general. La mayor parte de las normas que dictan lo que es bello y lo que no lo es responde a convenciones sociales y las convenciones sociales se pueden cambiar. Además, volviendo a lo del peso: hay muchas mujeres delgadas que están bien, pero las rellenitas de buen tipo suelen ser realmente espectaculares.

La semana que viene, queridas amigas, hablaremos de cómo mantenerse eternamente joven, ja, ja.

¿Prohibido el lolicon?

2010-05-06T05:08:00.000-07:00

El lolicon es un subgénero del Hentai (anime pornográfico) en el que las protagonistas son chicas y niñas menores de edad. Este género es de los más famosos y tiene bastante relevancia en todo el mundo del manga y del anime, no solo en el hentai. Incluso a los que no seais aficionados a la animación japonesa no os será dificil tener en mente lo que es una chica lolicon. La típica niña ligera de ropa con actitud provocativa, o por el contrario muy timida y mona.
Este tipo de personajes son muy frecuentes en practicamente todas las ramas del manga y del anime. Dan mucho juego para hacer fanservice. Podría decirse que el hecho de sexualizar personajes infatiles y "monos" es toda una tradición en la animación nipona, al igual que las series de robots, o el típico chaval que no descansará hasta conseguir su sueño, Las chicas Lolicon son un eslavón de la industria.Pues bien, la historia es que navegando por internet me encontré con varias páginas que afirmaban que en japón se está pensando en ilegalizar el Lolicon (ojo, ninguna oficial, así que no sé si es un hecho contrastado). Quedará prohibida cualquier serie o comic en que salga una menor de edad en situaciones demasiado pícaras o poco decorosas. Y yo me pregunto... ¿menor de edad? ¿como compruevas si un dibujo es mayor o menor de edad?, ya el planteamiento parece más bien una broma. Por otro lado, si este tipo de personajes se vuelven ilegales practicamente todo el hentai está condenado a muerte ya que son el tipo de personaje más recurrido. Pero no es solo cuestion del hentai, porque supongo que las chicas que salgan en cualquier anime normal y sean escesivamente provocativas para "su edad" también desaparecerán, y creedme, esto sería un durísimo golpe para toda la industria.Yo había oído que en españa es Delito, pero la verdad, nunca llegué a creerlo. Y tampoco creo que vayan a ilegalizarlo en japón, yo estoy convencida de que es un rumor, por que me parece una idea tan descabellada que no puede ser cierta, aún por encima en un tema que está tan arraigado a su cultura. La moral se vende a precio de fábrica, y el lolicon da mucho dinero. Me parece una total hipocresía querer ilegalizar el lolicon, que no son más que dibujos, en un país donde hay máquinas expendedoras de bragas usadas, con foto de la chica incluida y lo que es peor, te salen calentitas de la máquina.
Por supuesto que estoy en contra de cualquier tipo de pedofilia, pero no dejan de ser dibujos al fin y al cabo, y creo que en japón hay problemas mucho más serios que unos dibujos. Es un país donde no es aconsejable que una mujer ande sola por la calle, donde el metro es sinónimo de picadero (y no siempre con consentimiento de ambas partes). Es más, en el mismo hentai, hay subgéneros mucho más aberrantes que el lolicon, como el toddlercon, en el que los personajes oscilan entre los cero y cinco años. Me encanta japón, adoro su cultura y su modo de vida pero, sinceramente, creo que hay muchas cosas que cambiar más urgentemente que unas tetas en dos dimensiones.

WPM

Californication: Una bonita historia de Sexo y Amor

2010-05-05T18:03:00.000-07:00

Californication.
Showtime, 2007. Tres temporada de 13 episodios. En rodaje, la cuarta temporada.

Argumento:

Hank Moody consiguió la fama con una gran novela que acaba de ser llevada al cine en una producción muy exitosa. A pesar de todo, su vida no es como él querría. No es capaz de escribir nada nuevo porque su musa, su ex novia Karen, le dejó y se ha prometido con otro. Comparten el cuidado de una niña de doce años que adora a sus padres a pesar de la situación y de que Hank es un auténtico fracasado. El escritor lleva una vida de excesos (juergas y sexo) mientras lucha torpemente por recuperar a su amada familia.

Comentario:

Precedida de cierta polémica por su arrebatador inicio, ese sueño en el que el protagonista practica sexo con una monja bajo la mirada del señor Jesucristo en plena Iglesia (tras ese genial plano del apagado de un cigarro en agua bendita), Californation ha ido desde entonces acompañada de ese halo de transgresión, sexo explícito y temática adulta valiente. Sin embargo, esto no es más que la superficie, la palabrería vacua que emplean críticos que probablemente ni siquiera han visto la serie. Californication en realidad es mucho más, y también mucho menos, que toda esa fachada.

Su argumento es uno de los más trillados que existen, el del solterón acabado que intenta recuperar su familia, a la que todavía quiere, mientras lleva una vida algo mísera y repleta de excesos que nos son mostrados sin disimulo ni censura alguno (ventajas de estar en un canal privado, Showtime). Por este motivo puede resultar algo previsible, dejar la sensación de que se recorre un sendero muy transitado, y queda por ver si en venideras temporadas los guionistas son capaces de mantener el ritmo sin repetirse y sin perder el rumbo. Espero que no se empeñen en lo que fallan muchas series, en intentar mantener el statu quo de la relación (esos personajes en eterna tensión sexual y amorosa que nunca termina de llegar a nada concreto), sino que se arriesguen y hagan evolucionar la historia.

Una vez comprobado que no estamos ante una producción revolucionaria como quieren vendérnosla algunos, sino ante una historia clásica muy bien revisitada, podemos disfrutar una historia en la que se ha puesto mucho mimo y que funciona muy bien en gran medida gracias a la exquisita construcción de los personajes principales. Hank es un inmaduro incapaz de retomar su camino, Karen quiere asentar la cabeza con un padre de familia estable, digno, y Becca, la joven hija, desea que sus padres vuelvan a unirse y amarse. Como digo, nada nuevo, pero es más que suficiente para elaborar una comedia dramática llena de diálogos ingeniosos y ágiles que mezclan partes más o menos iguales diversión y perlas de sabiduría. Como en la vida real, el amor es hermoso y doloroso a la vez, y los guionistas saben transmitir muy bien todos los sentimientos y emociones, los errores de los seres humanos, sus virtudes, sus aspiraciones… Los personajes resultan encantadores, sus aventuras oscilan entre el idilio y el delirio y enganchan con facilidad. Las relaciones entre Hank, Karen y Becca prácticamente valdrían para sustentar toda la serie, pero pronto se añade con acierto la también tumultuosa vida amorosa y sexual de su amigo y editor, Charlie, con los problemas con su esposa y los líos con su joven secretaria. Es una lástima sin embargo que se haya dado tan poca importancia al prometido de Karen, quien parece un simple maniquí, casi una parodia de personaje que solamente sirve para complementar los vínculos entre los protagonistas. Bien trabajado podría haber dado mucho juego.

La química entre los actores y el buen hacer de los mismos (en especial un David Duchovny que en un par de planos se quita de un plumazo todo rastro de Fox Mulder) está a la altura de las circunstancias, aunque no estamos ante ningún papel que alabar con entusiasmo y podría decir que la chica que interpreta a Becca, la hija, es un poco sosa, le falta energía, pero aún así consigue que su personaje resulte adorable. Más destacable es el error de casting que ha colocado a Madeline Zima como la hija de dieciséis años del prometido de Karen, pues, a pesar de que debía ser una bomba sexual adolescente, se han ido muy lejos al escoger a una señorita de veintidós años que aparenta esos mismos y no menos de dieciocho. El personaje funciona, sobre todo en el tramo final de la temporada, pero le cuesta resultar creíble precisamente por la actriz inadecuada al rol. Eso sí, si querían deslumbrar con su presencia lo han conseguido, pues todo el que ve la serie termina hablando de su físico, de esas increíbles tetas que tienen más personalidad que la propia actriz.

El dinamismo de los capítulos, donde se aprovecha muy bien los escasos veinticinco minutos del formato que han decidido emplear, ayuda a que la serie sea un producto muy fácil de disfrutar. El humor se encauza de maravilla en las tramas de amores y problemas personales, mientras que el sexo, tratado generalmente con un tono desenfadado y casi surrealista que marca el sello personal de la serie, termina por redondear un entretenimiento de primer nivel. No pasará a la historia de la televisión, pero es otra magnífica muestra del enorme nivel de calidad que se ha alcanzado estos años.

Creador: Tom Kapinos.
Productores ejecutivos: Tom Kapinos, David Duchovny, Stephen Hopkins.
Escritores: Tom Kapinos, Gina Fattore, Eric Weinberg…
Directores: Scott Winant…
Actores: David Duchovny, Natascha McElhone, Madeline Zima, Madeleine Martin, Evan Handler, Pamela Adlon, Rachel Miller.

Os dejo el Intro y la primera, y polemica escena, del primer episodio de la serie.

Hasta la próxima.

WPM

Gurren Lagann

2010-05-05T10:01:00.000-07:00

Todo fanático del anime y el manga ha visto alguna vez series mecha (de robots), bien hoy voy a hablaros de la última que he visto yo, Tengen toppa gurren lagann.
Gurren lagann es una serie del estudio Gainax creada por Hideaki anno. Gainax también son los responsables de muchos animes de éxito como Neogenesis evangelion, Flcl, .Hack entre otras.
La historia está ambientada en un futuro donde los seres humanos viven bajo tierra, ya que la superficie está habitada por unos robots a los que llaman Ganmen. En uno de esos pueblos subterraneos vive Simón, un joven excavador (prácticamente un niño) que quedó huerfano por culpa de un terremoto provocado por los Ganmen. Simón solo tiene un amigo en la aldea, Kamina, un chico alocado que tiene una obsesión, subir a la superficie. En jiiha (el pueblo donde viven ambos) todos lo toman por loco, la mayoría de la gente cree que no existe la superficie, pero Simón si que lo cree.Simón, excavando, se encuentra una máquina con forma de cabeza que reacciona al estar cerca de un colgante en forma de espiral que tiene él.
Un día hay un terremoto especialmente fuerte, y de pronto, atravesando el techo, aparece un Ganmen acompañado de una mujer pelirroja (que va muy ligera de ropa, todo hay que decirlo) que lucha contra él. La chica se llama Yoko, ella es del pueblo vecino. En medio del caos Simón se mete dentro de la cabeza robótica que había encontrado, la enciende con su colgante y empieza a luchar. Terminada la batalla, Kamina y Simón deciden subir a la superficie con Yoko, y ahí es donde empiezan todas las aventuras.
Gurren Lagann es una serie entretenida, no se hace para nada pesada y es bastante fresca. El problema, que es un poco más de lo mismo, no innova demasiado y se echa en falta que se ubieran arriesgado un poco. No es una mala serie pero si la comparamos con Evangelion, que es del mismo estudio, no hay punto de comparación. Es una serie ligera, si buscas pasar un buen rato está bien, pero le falta profundidad. Aún así, es muy recomendable. ¿Podría ser mejor? si, pero eso tampoco quiere decir que no merezca la pena.
Bueno, os dejo el opening de la serie, ¡Hasta la semana que viene!

WPM

X Japan: El arte de la vida

2010-05-04T16:35:00.000-07:00

Ayer fue el aniversario de muerte de uno de los mayores iconos del rock y de la estética visual en el país del sol naciente: Hideto Matsumoto, mas conocido como Hide, muerto el 2 de Mayo de 1998 a los 33 años de edad por motivos desconocidos. En honor ya no solo a Hide, si no a una de las bandas mas influyentes de la conocida como J-Music, de la que me considero seguidor, voy a dedicar esta entrada a esta banda: X Japan, y mas en concreto a su Opera Magna: Art of Life.

Art of Life es uno de esos discos que uno espera que sea un álbum completo, lleno de canciones con altibajos, baladas y cañeras, ya que cuando le dicen a uno que un disco es la obra maestra de un artista, un doble platino, y mas, de unos del calibre de los X, sin embargo, cuan fue mi decepción al encontrarme con una sola pista de casi media hora de duración, que dejaba pinta de ir a ser una obra aburrida y larga. Pero tras haber pasado por mi colección obras magníficas como el Octavarium, de Dream Theater, o muchos discos conceptuales de larga duración en torno a unas ideas musicales similares, o mismo el Pedrá de Extremoduro, me animé a darle la oportunidad. Aún me arrepiento de ello, no puedo quitar las melodías de la cabeza.

X Japan nació bajo el nombre de X, y tras un primer disco, sacaron su salto oficial a la fama: Blue Blood. Un disco que marca un estilo propio y una nueva etapa en el metal nipón. Tanto stress quizá fue el causante de que a Yoshiki, batería y lider de X, sufriera numerosos colapsos en la segunda gira bajo el mismo disco, en una cancelación de uno de estos conciertos, comenzó a componerse Art of Life.

En el año 1991, nace Jealousy, disco que en principio iba a salir como doble disco junto con Art of Life, aquí comienza a apreciarse el gusto por las orquestaciones en las canciones como Silent Jealousy, una de mis favoritas del grupo, y una de las mas aclamadas y, sin embargo, menos tocada en directo.

No sería hasta el año 1993 en el que, tras un cambio de imagen y el paso de llamarse X a X Japan, con intenciones de darse a conocer como japoneses en el resto del mundo, sacarían Art of Life. El éxito fue rotundo, debutando en el número 1, y llegando a vender mas de medio millón de copias en ese año.

Art of Life es una canción para los amantes del Speed Metal, del Power Metal, del Metal Progresivo, del Metal Sinfónico, de la música Clásica, de lo meramente experimental y novedoso. Es una cosa nunca antes vista, tocada con la Orquesta Sinfónica de Londres, inspirada en la Sinfonía nº8 de Schubert, con dos "posibles estribillos", aún con variantes de estos mismos, melodías interminables que no parecen repetirse nunca y que, sin embargo, a la segunda vez de escuchar la canción, ya todos tarareamos un segundo por delante, y una parte intermedia de piano de una duración de aproximadamente 9 minutos, quizá la parte mas curiosa de la canción: una base de piano simple repite un riff hasta la saciedad, mientras otro piano lo cubre por momentos con partes que lo armonizan, que lo mejoran, y que, a medida que avanza el tema, entran en caos, disonancias horripilantes, como una constante lucha que en el directo se refleja con la pasión de Yoshiki sobre su piano, como interpretando una caida en picado, y, de la nada, comienzan a surgir cuerdas, que vuelven a cubrirlo todo para dar paso a una nueva melodía y retomar el verso de la canción, una jugada maestra y expermiental que, si bien a veces me saltaría, escuchada con detenimiento es un juego musical increiblemente ingenioso.

Podría ir poco a poco haciendo el análisis que hacen en la wikipedia inglesa, pero detesto plagiar ideas, ni tengo el tiempo para hacerlo por mi mismo. Sin embargo, he de destacar cuanto me emociona el estribillo del minuto trece, mas parado en guitarras, con un montón de cuerdas orquestadas jugando con los acordes, y al final de este, realizando la melodía de voz por si solos, dejando uno de los momentos mas emotivos del tema, seguido de melodías antes dadas en la guitarra, ahora solo con cuerdas, y voces susurrantes de fondo... un momento mágico en uno de los mejores discos de Metal Sinfónico de los 90, o quizá incluso, el mejor, por el magnífico trabajo que realizaron los integrantes de X Japan al utilizar los elementos de la orquesta en su justa medida.

Sin mas que añadir, os dejo aquí con la ficha técnica.

Art Of Life - X Japan

Pista única: Art of Life

Duración total 29:00

Son recomendables las versiones en directo de Art of Life: Live y Art of Life 1993.12.31 Tokyo Dome.

Género: Metal Sinfónico, Power Metal, Metal Progresivo, J-Music.

Discográfica: Atlantic

Fecha de Lanzamiento: 28 de Agosto de 1993

Valoración Final: ¿Qué podría añadir? Art of Life es una obra magnífica, equilibrada, atrayente, pegadiza, trabajada, tiene todo lo que uno puede pedir de un disco de X Japan, es una balada, es una canción cañera, es un tema melodioso y caótico, optimista y melancólico. Puede que no sea para todos los públicos, pero es magnífica, y eso no se lo quita nadie. Las dos caras de la portada, se reflejan en la misma música, dejando bien claro que no estamos ante un grupo cualquiera, estamos ante unas leyendas: X Japan. 9,5/10

Avatar: O como defraudar a muchos y enamorar a otros.

2010-05-03T15:39:00.000-07:00

"Chicos, ya no estáis en Kansas. Bienvenidos a Pandora"

Hay proyectos, ideas e ilusiones, que se mantienen durante muchísimo tiempo en las cabezas de miles de personas. Conceptos que maduran, evolucionan y se mantienen en la imaginación de su creador. Luego, al plasmar tal torrente imaginativo y creativo, las cosas pueden salir bien, regular o mal. "Avatar" es la última película del director James Cameron, cineasta que ha tocado varios géneros con resultados geniales en todas y cada una de sus incursiones. Nos brindó las dos primeras partes de la saga de ciencia ficción por excelencia, "The Terminator". Nos alistó al servicio de Marines Coloniales para luchar una amenaza alienígena desconocida en "Aliens" y nos maravilló con la faceta cómica del héroe de acción Arnold Schwarzenegger en "Mentiras Arriesgadas". Pero su obra maestra, la película por la que nadie daba un duro, se presentó allá por 1997, sorprendiendo a propios y extraños: "Titanic". La película en la que el mismo se excuso con un lacónico "la rodé para hundir el barco", demostró lo que se había ido intuyendo a lo largo de su corta pero bien formada carrera: que era un director con un pulso narrativo impresionante.

A James Cameron le da igual plantearte durante viente o cuarenta minutos la presentación de sus personajes protagonistas. En "Aliens", desarrolla durante casi media hora la situación, vida y costumbres de un escuadrón de militares. Te presenta a los integrantes del equipo, los reconoces y llegas a creer que los conoces de toda la vida. En "The Terminator" y "The Terminator 2: Judgment Day", ocurre exáctamente la mismo. Plantea una situación durante gran parte del metraje, la desarrolla y luego, la resuelve. Todo ello se volvió casi perfecto en "Mentiras Arriesgadas" y se convirtió en magistral en la ya comentada,"Titanic". Por eso, cuando se habló de que su siguiente proyecto sería una obra de ciencia ficción, los comideros de revistas y periódicos del mundo del cine, se dispararon. Aún internet no estaba asentada, y las legiones de fanáticos que vendrían más tarde (sí, aquellos en los que el sentido crítico brilla por su ausencia), no habían hecho piña.

Han sido años de cambios, rumores, cancelaciones y retrasos en la concepción del difícil y complejo mundo de "Avatar". No fueron pocas las voces que se levantaron a animar la cancelación y termino de semejante producción. El presupuesto se disparó unas cuantas veces, y la utilización de la tecnología necesaria y pertinente de la cinematografía en 3D, adquirió un peso determinante. El mismo James Cameron fue consciente del material que podría llegar a tener entre manos cuando terminó de rodar "Titanic" y se puso a rodar documentales con tecnología IMAX. Sabía que era capaz de dar un salto mayor, y que las herramientas necesarias, de no estar disponibles, se tendrían que crear. Pero era el siguiente paso, el siguiente nivel. Cineasta aventurero en cuestiones técnicas (revolucionó el mundo de los FX por ordenador con la segunda parte de "The Terminator" y el impresionante terminator de metal líquido, T-1000), se armó de valor y de una fuerte inyección monetaria y se equipó con las modernas cámaras PACE Fusion 3D HD, unos enormes mastodontes que montan un doble objetivo y graban la imagen en Alta Definición y en tres dimensiones. Todo estaba listo. James Cameron tiene su tecnología, ha gestado durante más de una década un universo propio y ha preparado (según él) "a consciencia el guión".

Guión, que a priori, es sencillo. "Avatar" nos propone viajar a un mundo conocido como Pandora, donde los seres humanos han encontrado un preciado mineral que se vende a un alto precio en el mercado. Allí toparán con una raza tribal conocida como los Na´vi, criaturas de aspecto felino de más de dos metros de alto, difíciles de matar y muy testarudos y territoriales. Durante años, los científicos y la delegación militar han intentado buscar una solución medianamente pacífica al eterno conflicto, con programas de educación y pacificación, pero la cosa se estancó. La principal baza del programa, es utilizar los cuerpos genéticamente modificados (con ADN humano y Na´vi) llamados "avatares". Con ellos, el choque de culturas es mucho menor, y se pueden conseguir mejores resultados en los estudios de la flora y fauna, aparte de otorgar libertad y seguridad en el complicado entorno de Pandora. El destino hará que Jake Sully (interpretado por Sam Worthington), un militar paralítico, llegue al maravilloso y peligroso mundo de Pandora y cambie su vida para siempre.

El trabajo de creación de Pandora ha sido realmente complicado. Weta Workshop, Weta Digital e ILM han trabajado durante años en crear un universo verosímil, rico y variado, dotado de personalidad propia. Pandora es un planeta que vive bajo la órbita de Polifemo, un planeta enorme, de gran parecido a Júpiter. Pandora tiene una atmósfera peligrosa, llena de gases muy tóxicos para la vida humana (deben ir con máscaras de gas si salen al exterior), y que da como resultado, que las criaturas que viven en semejante entorno, sean enormes y potencialmente peligrosas. La gravedad es muy parecida a la que tenemos en la Tierra, si bien hay un cierto punto del planeta, donde por influencia del alto poder de atracción gravitacional de Polifemo (el planeta que abraza a Pandora), dichos parámetros no son del todo exactos. Allí las rocas y montañas flotan, y los instrumentos de navegación se vuelven locos. En Pandora, aparte de los indígenas Na´vi (que viven en varios puntos del planeta, con diferencias culturales pequeñas entre dichos grupúsuclos), habitan una serie de criaturas salvajes, como los Thanator o los Banshees. Los primeros son unos enormes depredadores muy territoriales, con gran parecido en costumbres y vida a las panteras de la Tierra, y los segundos, enormes pájaros que surcan los peligrosos cielos de Pandora. También tenemos peligrosas y bellas plantas, árboles de miles de metros de altitud o enormes y tempestuosos océanos. Si algo hay que agradecer a James Cameron, es la impresionante muestra de poderío e imaginación que representa Pandora en sí misma. Sin ir más lejos, el mismo director, cuando solían preguntarle donde había estado durante tanto tiempo, simplemente respondía: "He estado en Pandora". Weta Digital y Weta Workshop han dado a luz un mundo tan realista o más al que vimos en el 2005 con "King Kong" de Peter Jackson.

El punto de partida de la historia, como habéis visto, es simple, y Cameron no se preocupa en (una vez más) plantear y presentar la situación durante gran parte de la primera mitad de la película. Con la excelente voz en Off de Sam Worthington (Jake Sully en el film), coloca a los personajes, nos muestra levemente sus carácteres y personalidades y los pone a danzar entre selvas y bichos. Una situación que podría ser un excelente inicio para la posterior aventura, pero que, conforme avanza el reloj, uno se acaba dando cuenta de que es un simple pretexto para una historia demasiado común y tópica. De hecho, la historia apenas avanzará hacia los derroteros propios del cineasta (grandes nudos y mejores resoluciones), y acabará siendo un refrito y pastiche argumental de otras películas, dando un resultado bastante dispar en según que situaciones. Si bien todos partíamos de que nos enfrentábamos ante la conocida historia de "choque entre dos culturas con historia de amor de por medio" tan vista en el cine ("Bailando con Lobos", "Pocahontas", "El Nuevo Mundo" o incluso aquél bodrio de animación australiano, "FernGully"), conociendo a Cameron, bien podríamos haber esperado algo más, algún toque de genialidad extra.

Pero no ha sido así. Los personajes excelentemente presentados y caracterizados (con una especial atención y mención a Stephen Lang como el omnipresente coronel y a la siempre excelente Sigourney Weaver) son meras marionetas de fondo para la historia de amor entre Jake Sully y su avatar, y la indígena Na´vi, Neytiri (encarnada por Zoe Saldana). Historia de amor que vivirá absolutamente todos los momentos que esperáis ver. Tendremos momentos de enseñanza, de aceptación, de confrontación y choque cultural...Con lo que volvemos al punto de partida. Es exactamente lo mismo de siempre. En los tiempos que corren, es muy difícil pedir originalidad a una historia cinematográfica, pero de vez en cuando, se dá dicho "rara avis". Una película que sorprenda, que cambie, que modifique, o que simplemente, muestre una evolución real de un género determinado. Películas que muestran pequeñas pinceladas que hacen diferenciar el tronco principal de una película del resto. Que las eleva a un nuevo nivel. Y son dichas pinceladas, esenciales en el cómputo global, las que acaban levantando a la cinta en cuestión del resto de sus compañeras de género y medio. Lo que acabo de decir podría haber pasado con "Avatar"; Trístemente, no ha sido así. Pues si estáis esperando que durante la película se encuentre algo a nivel argumental que la convierta en diferente, en algo nuevo, estáis muy equivocados. Si bien es cierto que "Avatar"sigue la típica construcción de una película de James Cameron (buen planteamiento, un nudo complicado y una resolución magnífica) es la falta de genialidad en la historia de amor y su absoluta sensación de deja vu la que echa al traste el principal nudo del film. También tenemos un cierto transfondo ecológico bastante diluído durante gran parte de la obra, pero que cobra un especial protagonismo conforme se acerca el clímax final, y que como bien han apuntado determinados críticos, es una copia casi perfecta (un fusilamiento literal de la idea y del planteamiento) de la moralina que nos brindó el maestro Hayao Miyazaki en "La Princesa Mononoke", que por cierto, también tiene una historia de amor entre dos personas de diferentes mundos y costumbres. ¿Casualidad? Probablemente.

Y ojo, no se debe a que los efectos visuales nos tiren hacia atrás. Al contrario. El nivel técnico y visual de "Avatar" es absolutamente intachable, como ya hemos comentado anteriormente. Los Na´vi son creíbles, tangibles, y las reacciones y actuaciones de los actores son reconocibles. Sabrás que hay una persona detrás de cada bicho azul, y que sus gestos, miradas y actos son reales, y no animaciones baratas o capturas de escaso trasfondo. Se aprecia que hay un laborioso trabajo detrás, y es por eso, por lo que la sensación agridulce es aún mayor. Uno no se puede olvidar que teniendo en cuenta la laboriosa concepción de tremendo universo y de semejante tecnología, la historia tendría que haber estado a un nivel mucho mayor. No se puede decir en que la historia es una simple excusa para demostrar la tecnología de la que se dispone. Eso lo hacen directores chusqueros y facilones, como Michael Bay (que ha ido vendiéndose progresivamente en su carrera). James Cameron es un director que supedita los efectos especiales a la historia, si bien demuestra tener siempre a mano los mejores medios disponibles. Si seguimos la excusa barata que muchos han blandido como defensa a la escasita historia de "Avatar", "Transformers 2" no hubiera sufrido semejante paliza por parte de la crítica o los espectadores, pues de efectos especiales funciona a un nivel brutal, y de historia, pues mejor dejarlo. Es muy difícil, pero hay que tener criterio y ser consecuentes. Y lo digo por todos: ni "Avatar" es una obra maestra como muchos han dicho, ni es un bodrio de proporciones bíblicas. Simplemente, falla donde no debería de hacerlo. "Avatar" solo tropieza ahí (a nivel argumental y de construcción de guión), y se podría decir que ni falla, pero es que sus niveles artísticos, técnicos y visuales son tan grandes, que un simple bajón o descuido en cualquiera de los otros aspectos, se nota el doble. Y más viniendo de quién viene. "Avatar" podría haber sido una oportunidad excelente para mostrar una historia, (que si bien no puede eludir los compromisos de la manida y vista historia de amor entre personas de diferentes mundos) de nuevas oportunidades, de redención y de la oportunidad de una nueva vida para todo aquél que ya la perdió (en relación directa al protagonista de la cinta).

Y es un problema, que verdaderamente, se podría haber solucionado. Es decir, si la película cuenta con una buena base de actores, un gran comienzo y una serie de historias de trasfondo bien planteadas (tal y como se puede ver en los primeros y excelentes veinte minutos del comienz), no es difícil desarrollar una historia personal del protagonista principal. En cambio, se nos cuelan una serie de "capítulos" narrados mediante el videoblog de Sam Worthington , recurso, que bien presentado podría haber ayudado a la película para tener una narración coherente y para nada desprendedora de la sensación "Deux Ex Machina" que va dejando el film conforme avanza. En "Avatar" los personajes desfilan, hacen cosas y luego tienen un final. Pero no te importa, no te sientes identificado con ellos. Y vuelvo a repetir, los actores no lo hacen mal, pero sus personajes, no son nada. Son simples y llanos "maniquíes". Y eso mata a la película, pero no solo a la presente "Avatar", si no a cualquier film que se precie . Si no te identificas y tienes una relación con un personaje o con su historia, no te sientes preocupado o emocionado por él pase lo que le pase. ¿Qué muere fulanito? No nos importa. ¿Qué fulanito al final se acaba convirtiendo en un aguerrido ecologista y activista? Vale. "Avatar" tiene un par de momentos muy espectaculares en cuanto a secuencias (y casualmente, una de ellas es prácticamente al inicio) y la otra casi al final. Secuencias en las que aparece levemente el talento de Cameron, y que al buen aficionado al cine, le servirán para dos cosas: La primera, para levantar el puño en alto y decirle a todos que aún queda gente que sabe rodar bien secuencias de acción, y la segunda para cagarnos en el mismo hacedor de la película por no demostrar con mayor ahínco eso mismo en el resto del metraje.

Dejando la historia como principal problema, todo lo demás es impresionante. El uso de las cámaras 3D PACE Fusion nos ofrece escenas visualmente impactantes (sobre todo en profundidad de campo), y por primera vez, nos aleja un poco del concepto de atracción de feria tan común en el cine en tres dimensiones. "Avatar" usa la tecnología para ofrecer y sugerir, y no para asombrar al respetable con trucos baratos. Tendremos escenas donde podremos casi tocar cualquier objeto que se presente en la habitación, otras donde las flechas saldrán de la pantalla o donde creerémos apreciar todas y cada una de las hojas del árbol que tendremos delante. El uso del 3D, si bien puede parecer testimonial en la gran mayoría de las escenas, es lógico y no abusivo, y se agradece, pues muchos nos temíamos que las salas de cine se convertirían en los nuevos puestos ambulantes de los feriantes del siglo XXI. Aún así, tened claro que todo esto se usará para vender más teles, más reproductores y más videojuegos. Una cosa no quita la otra.

¿Es entonces "Avatar" la revolución cinematográfica que todo el mundo esperaba? Es complicado de saber y concretar. A nivel técnico, estoy seguro de que lo es. Ha cambiado el concepto de rodaje y de post-producción visual. Han cambiado el concepto de efectos visuales. Ha elevado tales construcciones artificiosas a un nuevo nivel, y eso se nota. Lo vimos con Gollum en "El Señor de los Anillos" y lo volvimos a ver con "King Kong", ambas del director neozelandés Peter Jackson. Pero James Cameron podría haber dado mucho más de sí. Quizás su excelente carrera juega en su contra, y las expectativas (levantadas por todos, incluído el mismo director) han sido demasiadas altas, y eso ha podido matar a la película. Película, que vuelvo a repetir, no es en absoluto mala, pero no es lo que podría haber sido de arriesgar un poco más o trabajar levemente el guión en aquellos puntos que falla estrepitosamente. Es cierto que la historia pondrá en su sitio a todos, y hasta que no pase el tiempo prudencial desde su estreno, no sabremo si es o no la revolución y el clásico que muchos dicen ver. ¿Hay que ir al cine a verla? Absolutamente, y sobre todo en una sala 3D.

El cine en 3D es una tecnología que si bien lleva con nosotros desde hace mucho tiempo, acaba de empezar su segunda juventud, y es difícil saber si dentro de uno o dos años, veremos nuevos resultados a la altura de la presente película, o incluso superiores. Lo que sí podemos afirmar sin temor ninguno, es que "Avatar" es la mejor película a nivel técnico que jamás se ha proyectado en sala alguna, y que ha abierto el camino al cine del futuro. Y por ello, es una experiencia que nadie que admire o aprecie ligeramente el cine, debe perderse. Y la sensación es agridulce, pues personalmente, me hubiera encantado decir "Cameron, lo has vuelto a hacer" y poder contar con una nueva obra maestra en su excelente (y ya no perfecto) historial cinematográfico. Una lástima.

Os dejo la banda sonora.

http://open.spotify.com/album/1H81jGoWeLI8ufq42GfDPn

(Copiad el siguiente enlace en vuestro navegador, pinchad en él, y tendréis el disco para escucharlo mediante Spotify)

* James Horner – “You Don’t Dream in Cryo….” (track length: 6:09 minutes)
* James Horner – Jake enters his avatar world (5:24)
* James Horner – Pure spirits of the forest (8:49)
* James Horner – The bioluminescence of the night (3:37)
* James Horner – Becoming one of “The People” Becoming one with Neytiri (7:43)
* James Horner – Climbing up “Iknimaya – The Path to Heaven” (3:18)
* James Horner – Jake’s first flight (4:49)
* James Horner – Scorched earth (3:32)
* James Horner – Quaritch (5:01)
* James Horner – The destruction of Hometree (6:47)
* James Horner – Shutting down Grace’s lab (2:47)
* James Horner – Gathering all the Na’vi clans for battle (5:14)
* James Horner – War (11:21)
* Leona Lewis – I See You (Main Theme from Avatar) (4:20)

Como nota, os diré que James Horner ha parido una BSO excesivamente parecida a la vista en "Troya" y con demasiadas influencias de otros compositores como James Newton Howard o Hans Zimmer. Hay pistas en las que dichos toques, son bastante descarados y obvios a poco que se tenga un cierto oído musical.

Perdón por el retraso.

Hasta la próxima.

WPM

2010-05-02T00:47:00.000-07:00

La invención de la mentira

Se estrena en España la película Increíble pero falso (The invention of lying). Vi esta película en un avión, en la sección de “novedades” (eran novedades “freshquíshimas”, por lo que se ve) y me hizo pasar un buen rato.

El argumento es sencillo: en un mundo donde la mentira no existe, un hombre corriente sin mucho éxito en la vida (lo que en las películas americanas se llama un “perdedor” y nosotros llamaríamos un “pringao”), en un momento de desesperación, dice “lo que no es”. No sabe muy bien cómo se le ha ocurrido ni cómo ha podido hacer “eso”, pero enseguida descubre que mintiendo puede conseguir todo lo que se proponga, porque en un mundo donde nadie miente todo el mundo se cree cualquier cosa que uno diga, por absurda que parezca.

La película me pareció interesante. Es curioso ver en qué se convierten las relaciones sociales cuando nadie miente y todo el mundo dice lo que está pensando: las conversaciones casuales se vuelven absurdas y algunas de las situaciones que se producen son realmente hilarantes. Por otra parte, resulta inevitable la reflexión sobre la mentira en sí: ¿por qué mentimos?, ¿para qué mentimos?, ¿es siempre mala la mentira?, ¿qué hay de las llamadas “mentiras piadosas”?, ¿es necesario ser siempre totalmente sincero?

Tengo que reconocer que el tema me interesa especialmente porque siempre me ha parecido que la sinceridad está sobrevalorada socialmente, sobre todo cuando se confunde ser sincero con ser borde y desagradable, como ocurre con cierta frecuencia. Cuando alguien dice eso de “yo soy una persona muy sincera, digo las cosas a la cara”, me echo a temblar, porque demasiadas veces lo que viene a continuación es algún comentario desagradable e innecesario (si fuese necesario no habría nada que objetar, claro).

Si os decidís a ver la película, prestad especial atención a la parte que tiene que ver con el surgimiento de la religión. Es realmente muy divertida. La parodia de Moisés con las tablas de la ley es para partirse...

En cuanto a aspectos negativos, quizás sea demasiado ligera, demasiado dulce… El tema daba para hacer una película más “cañera” pero, de todos modos, creo que merece la pena verla.

Hoy es Festivo-

2010-05-01T04:45:00.000-07:00

Dia del Trabajador, por eso no hay entrada.

Felices Navidades.

¡¡Motorhead a vigo!!

2010-04-30T06:46:00.000-07:00

Muchos ya lo sabréis, pero bueno, ya es oficial, Motorhead vienen a vigo el tres de agosto, más concretamente a castrelos, y aún por encima dicen las malas lenguas (bueno, en este caso más buenas que malas) que las entradas estarán a diez euros y que será al rededor de las once y media. Vamos, que el que no vaya es por que no le da la gana.
Lo acabo de comprobar y en la página oficial está confirmado.
Bueno, ahora toca hablar un poquito sobre la banda que muchos ya conoceréis pero nunca está de más.
Motorhead es una banda de heavy metal británica que se fundó en 1975. El fundador fue Lemmy, bajista, compositor y vocalista del grupo (el cual es el narrador de la más que bizarra película "Tromeo y julieta" por cierto). El resto de miembros han ido cambiando con los años, la formación actual es:

-Lemmy kilmister, Bajo y voz
-Phil Campbell, guitarra
-Mikkey Dee- batería

Aunque la mayoría de la gente considera a Motorhead una banda de metal ellos se consideran una banda de rock 'n' roll, ya que ya estaban allí antes del Boom del heavy. Sea como fuere, lo que es innegable esque la banda ha sido y es una gran influencia en todos los grupos del genero posteriores.
Dejo aquí una lista con su discografía, ojo, solo son los cds de estudio.

1977 Motörhead
1979 Overkill
1979 Bomber Bronze
1980 Ace of Spades
1982 Iron Fist
1983 Another Perfect
1986 Orgasmatron
1987 Rock 'n' Roll
1991 1916 WTG
1992 March ör Die
1993 Bastards
1995 Sacrifice
1996 Overnight Sensation
1998 Snake Bite Love
2000 We Are Motörhead
2002 Hammered
2004 Inferno
2006 Kiss of Death
2008 Motörizer

Yo no estoy segura de si iré al concierto, porque me temo que ese día es muy posible que esté volando hacia alemania para ir a Wacken. Pero si ese día estoy, no me lo pierdo por nada del mundo.
Para acabar os dejo un video.

WPM

United States of Tara

2010-04-29T06:04:00.000-07:00

United States of Tara es una comedia estadounidense de humor negro creada por Diablo Cody (la guionista de Juno). La serie se estrenó el 18 de Enero de 2009. En España se emite desde el 27 de Abril de 2009, por la cadena Paramount Comedy.

Argumento

Tara Gregson es una víctima de un desorden disociativo de personalidad. Esta ama de casa de Kansas, decidirá dejar de tomar la medicación que la mantiene a raya para descubrir que es lo que causa su enfermedad. Ésto dejará libres a sus personalidades T (Una adolescente salvaje), Alice (Un ama de casa de los 50) y Buck (Un ex-soldado de Vietnam). Su marido, hijos y hermana intentarán ayudarla pero sufriendo muchos percances en el camino.

Personajes
Tara Gregson (Toni Collete): Ama de casa aficionada a pintar murales que deja de medicarse para no tener que estar toda la vida dependiendo de los medicamentos. Está casada y tiene dos hijos.

T: Personalidad adolescente de Tara. Se lleva muy bien con Kate. Le gusta comprar, salir y siempre está buscando el "calor" de Max. Viste de manera provocativa con minifaldas y tangas bien subidos.

Alice: Personalidad de Tara. Es un ama de casa de los 50. Le gusta cocinar y rezarle a Dios antes de dormir. Desea quedarse embarazada ya que opina que Marshall y Kate son hijos de Tara.

Buck: Personalidad masculina de Tara. Bebedor, fumador y homófobo. Es muy violento y explica su falta de pene como un "accidente en vietnam". Viste gafas, gorra y el pelo recogido.

Max Gregson (John Corbett): Esposo de Tara. Hombre paciente que siempre está arreglando los problemas que van dejando detrás las personalidades de Tara.

Kate Gregson (Brie Larson): Hija mayor de Tara. Tiene 15 años y los problemas típicos de una adolescente. Trabaja en un restaurante.

Marshall Gregson (Keir Gilchrist): Hijo menor de Tara. Amable, vergonzoso e inteligente. Tiene 14 años y es homosexual.

Charmaine (RoseMarie Dewitt): Hermana de Tara. Piensa que las personalidades de Tara son fingidas porque quiere ser el centro de atención.

United States of Tara cuenta con 2 temporadas. La primera es de 12 episodios y la 2ª está sin terminar.

Recomiendo United States of Tara porque es una serie innovadora y original, buena temática y buen control de las situaciones. Engancha desde el principio con sus alocadas personalidades y sus situaciones de circo, que acabarán por conquistar al espectador.

Paranoia Agent

2010-04-27T07:29:00.000-07:00

¡Buenas! Hoy voy a hablaros de una de las últimas series que he visto, Paranoia Agent.
Se trata de un anime formado por varias mini historias, todas con un punto en común: El Shônen batto (chico del bate). Un niño que va siempre con unos patines y un bate dorados, y que se dedica a golpear a la gente en la cabeza para "liberarlos". La policía investiga el caso para ver quien es ese chico, de donde ha salido y qué pretende.

La historia comienza con Tsukiko sagi, una diseñadora de mascotas para marcas comerciales ( del estilo de naranjito o Fido dido). La chica es famosa por haber creado al ídolo del momento, un perrito rosa que está siendo el boom de las "mascotas", Maromi. Después del éxito que cosechó Maromi, Tsukiko (que ya de por si es una chica insegura e introvertida) está bajo una gran presión porque todo el mundo tiene muchas espectativas acerca de su nuevo diseño. Con semejante peso sobre los hombros ella se bloquea y no es capaz de dibujar nada. La única "persona" con la que habla distendidamente es el mismísimo Maromi, con el cual ella cree que puede mantener conversaciones. Cuando la presión y el extrés están a punto de acabar con Tsukiko, llendo ella por un callejón se encuentra al Chico del bate. El chaval le propina un buen golpe en la cabeza y se da a la fuga dejándola inconsciente.

A raíz de este caso empiezan a surgir muchos encuentros con el chico del bate, implicandose la policía en su búsqueda. Lo interesante de la serie esque es una perfecta caricatura del pensamiento humano. Todos los personajes están perfectamente definidos y tienen su lado deplorable, como todas las personas. Es una crudísima critica a la sociedad japonesa dónde la gente vive por y para las apariencias con una presión sobrehumana que desemboca en los comportamientos mas bizarros que se pueda imaginar.

Nos podemos encontrar personajes de lo más variopinto, desde un reputado policía que tiene puestas cámaras en la habitación de su hija y que en su tiempo libre se dedica a irse de putas (eso si, pidiéndoles siempre que lo llamen "papá"). Pasando por una de esas prostitutas, la cual tiene doble personalidad, durante el día es una mujer formal con espectativas hacia una boda tradicional, y por la noche se convierte en una de las rameras más famosas de la ciudad.

Una historia de mis favoritas, entrañable pero terrible, es la de tres personas que quedan por un chat para suicidarse juntos. Al llegar al sitio de la cita nos encontramos a un hombre mayor y un chico de mediana edad que están esperando al tercer integrante del grupo. Cual es su sorpresa al ver que la tercera persona es una niña de primaria. Se pasan el capítulo escapando de ella porque saben que es demasiado joven para morir lo que desencadena en mil situaciones cada una más surrealista que la anterior.

Al principio de la serie, da incluso la sensación de que el chico del bate les hace un favor a los agredidos, pero con el transcurso de la historia la trama se va volviendo cada vez más surrealista y oscura.

Merece muchísimo la pena, eso si, es una serie que hay que ver un par de veces para entenderla al completo. Si te gusta romperte la cabeza con simbolismos desde los más sutiles a los más brutales, con un buen chorro de crítica social, y un genial argumento ésta es tu serie.
Bueno, ya no tengo más que decir, excepto que la recomiendo encarecidamente y que os dejo aquí el opening.

Black Stone Cherry: El rock sureño aún vive.

2010-04-27T05:11:00.000-07:00

Los hardrockeros parecemos estar de suerte ultimamente, ya que una ola de grupos musicales del género y sus muchas variantes ha llegado a nuestros oídos, y parece no acabar nunca (con el consecuente jolgorrio y fiesta interminable entre los del gremio). Probablemente los mas "ultras" no valgan para estos nuevos grupos y prefieran quedarse en los 80's de por vida, decisión que respeto, ya que me considero gran fan de esos tiempos pasados, pero algunos hemos decidido darle la oportunidad a ciertos grupos, y no hay lugar a arrepentimiento, uno de estos grupos es el centro del tema de hoy, los sureños de Kentucky: Black Stone Cherry.

Black Stone Cherry es una de estas bandas que mezclan el hard rock moderno, con sus afinaciones bajadas de tono y sus dropped string, con elementos del rock sureño mas clásico (e incluso llegar a meter órganos hammond de fondo en algunas de sus composiciones), y ante todo, un feeling blues en una voz rota que hace latir el corazón a mil por hora. Son estas las características de uno de los grupos que mas gratamente me han sorprendido en los últimos 3 años, comenzando por su primer disco homónimo, que contiene uno de los temas mas característicos y pesados de la banda: Lonely Train, un canto al dolor y el rastro horrible que deja a su paso por las personas, la guerra.

Otros temazos auténticos de este disco son Rain Wizard, tema con el que abre el LP, con una introducción en guitarra que comienza a meternos en la onda, para que no perdamos atención de lo que está por venir, un temazo tras el grito de "Here comes the rain!!!", genialidad tras genialidad; ya que a este tema le sigue la movidita Backwoods Gold, y a esta la ya mencionada Lonely Train. Acto seguido, Maybe Someday, tema que nos hará ver que no bajan el ritmo. Tres temazos mas, When the Weight Comes Down, Crosstown Woman y Shooting Star, para dar paso al segundo single del disco: Hell and High Water, un medio-tempo que no deja lugar a dudas ya: estamos ante un grupazo que sabe hacer de todo lo que le pongan en la bandeja del rock duro. Las voces de Chris Robertson se vuelven de furiosas a dulces cuando lo necesitan, de suaves a enérgicas, sin perder nunca nunca su personalidad tan característica y reconocible. Lo mismo pasa con sus propias guitarras y las de Ben Wells, que nos brindan licks de guitarra cuya genialidad no cabe en estas lineas, si bien el bajo y batería no parecen destacar, cumplen la función perfectamente y aún así, nos traen sorpresas agradables en alguna canción.

Tras unos temas mas, a destacar Violator Girl (aún valiendo la pena el resto, no me pararé ya que valoraremos también su último disco), viene una de mis canciones favoritas del grupo. Bajando ritmos y poniendose mas sentimentales, cantan una canción que jamás podremos comprender los extranjeros tan bien como los nacidos en su tierra, ya que parece todo un canto a su forma de vivir, sus costumbres, la vida allí: Rollin' On, es todo un temazo lleno de sentimiento, podría ser una balada, una balada con distorsión, o ser la canción mas cañera del disco, si bien no por ritmo, por la fuerza que ponen en ella, por la dedicación en esos detalles como los órganos de fondo, y aún con cuatro acordes, conseguir que algunos chalados como yo acabemos cantandola por la calle cuando la escuchamos, sin poder evitarlo.

No hay escapatoria de estos hombres, su segundo disco, y último hasta la fecha: Folklore and superstition, no dejó el eslabón en absoluto por debajo, lo puso, si cabe, aún mas alto en ciertos aspectos, si bien a mi me emocionó mas el primero, este tiene auténticas maravillas comenzando por Blind Man, canción con una letra magnífica en la que se incluye una frase que me pone los pelos de punta The darkest times, ain't always at night (Los momentos mas oscuros no siempre son de noche). Aquí queda el vídeo.

Seguimos con Please come in, un medio tempo con un guitarreo genial y que contrasta una canción dulzona, con un riff muy burlón y alegre, magnífico y genial, con su respectivo videoclip también.

La tercera canción del disco es una de las mejores, con una pequeña intro en limpio, para dar paso a un riff furioso Reverend Wrinkle deja paso a uno de los estribillos mas pegadizos del disco, una de las primeras canciones que me engancharon a este grupo. Continuamos con otra canción con videoclip, que proliferan en el lanzamiento de este segundo disco, Soulcreek es de esas canciones con un estribillo que en los conciertos todo el público ha de corear, una canción que parece hablar de algún otro bucólico lugar de su tierra natal, con un vídeo de lo mas fiestero. Su riff, que se alterna con pedazos de estrofa de forma similar a la utilizada en Please come in, rebosa genialidad a la guitarra.

Vamos ahora con la primera balada de este segundo disco Things my father said, la cual abre con un precioso piano tocado por (si no me equivoco) John Fred Young, batería del grupo. Numerosos arreglos de violin acompañan la canción in crescendo hacia un estribillo magnífico y una parte intermedia que pone los pelos de punta a cualquiera que tenga un poco de corazón. Una letra dedicada a un padre fallecido, al que le recuerda que todo aquello que plantó aún crece hoy en día.

No me detendré demasiado en el resto del disco, y no con ello quiero decir que baje el ritmo, en absoluto, simplemente estas 5 primeras canciones son la apertura magistral de un disco magnífico. The Bitter End deja entrever las habilidades del batería en una canción mas oscura y rápida de lo que acostumbran. Long sleeves nos brinda la bienvenida con un riff auténticamente rockero y da paso a riffs pesados cargados de efectos, otra canción mas oscura de lo que acostumbran tocar. Peace is Free otra balada menos cargada de arreglos que la anterior del LP, y sin embargo no menos emocionante en su estribillo, coreado de fondo por una multitud, todo un canto a la paz.

La pista nueve nos deja con mi pista favorita del disco, abriendo con un riff y teclados hammond llega la Reina de los Demonios: Devil's Queen. Un tema increible, animado, que da ganas de saltar, un tema idóneo para ir escuchando en coche a toda velocidad, con unos teclados hammond que recuerdan a Jon Lord por momentos aún sin alcanzar la maravillosidad del aclamado teclista. Una obra maestra con cambios de ritmo magistrales y un estribillo que deja ver las capacidades del cantante.

Cuatro temas mas cierran el disco The Key, en la línea de Long Sleeves, lenta y pesada, pero magnífica. You, otra balada con tintes mas suaves que por momentos recuerda a Nickelback, preciosa. Sunrise es toda una mezcla de ritmos y estilos, que llega incluso a tener toques alegres propios de la música latina, pero con el sentimiento típico del rock sureño, un tema llamativo. Para cerrar el disco tenemos Ghost of Floyd Collins, con un riff sureño, tremendo, otro de sus estribillos característicos, un tema genial para cerrar un disco que en su versión por iTunes tiene innumerables bonus track, que no he tenído aún el gusto de escuchar pero que no dudo que ocultarán algún tema genial.

Por último, os dejo con Yeah Man, un bonus track con videoclip, aparecido en la época del segundo disco.

Ficha Técnica:

Black Stone Cherry (2006) / Roadrunner Records

"Rain Wizard" - 3:24
"Backwoods Gold" - 3:06
"Lonely Train" - 3:50
"Maybe Someday" - 3:47
"When the Weight Comes Down" - 3:35
"Crosstown Woman" - 3:36
"Shooting Star" - 3:12
"Hell & High Water" - 4:01
"Shapes of Things" - 3:05
"Violator Girl" - 3:23
"Tired of the Rain" -3:15
"Drive" - 3:04
"Rollin' On" - 4:59

Valoración final: Un disco que refleja ese toque sureño sin por ello estancarse en la música del pasado, ha sabido renovar el género y darle un toque fresco y moderno, genialidad en estado puro. 8/10

Folklore and Superstition (2008) / Roadrunner Records

"Blind Man - 3:40
"Please Come In" - 3:56
"Reverend Wrinkle" - 4:12
"Soulcreek" - 3:37
"Things my Father Said" - 3:53
"The Bitter End" - 4:07
"Long Sleeves" - 4:17
"Peace Is Free" - 4:10
"Devil's Queen" - 4:38
"The Key" - 4:27
"You" - 4:22
"Sunrise" - 3:48
"Ghost of Floyd Collins" - 3:50
"Yeah Man" (special edition disk 2) - 2:59
"Big City Lights" (special edition disk 2) - 4:23
"Bulldozer" (iTunes bonus track) (special edition disk 2) - 3:54
"We Are The Kings" (special edition disk 2) - 3:55
"Cowboys" (Japanese bonus track) (special edition disk 2) - 3:02
"Drinkin' Champagne" (special edition disk 2 - 3:37
"Peace Is Free (Acoustic)" (special edition disk 2) - 3:59
"Hell And High Water (Acoustic)" - 4:25
"Lonely Train (Acoustic)" (special edition disk 2) - 4:07
"Maybe Someday (Acoustic)" (special edition disk 2) - 3:43
"Junkman" (iTunes bonus track) - 3:20
"Stranger" (iTunes bonus track) - 3:36

Valoración final: El segundo disco de BSC no deja indiferente a nadie, quizá siendo mas orientado a un público amplio, con 3 baladas en él, es como ha logrado el puesto 23 en el Top 200 Uk Albums Chart, y abrir en el puesto 50 en Suecia. Cuatro videoclips una edición magistral, para un discazo, sin embargo, siento que le falta algo que el primero tenía, un cambio en el feeling totalmente orientado al rock sureño que, si en algunas partes le da un toque mejor, en otras hace que pierda. Sin embargo el balance final es el mismo que en el anterior disco, genial. 8/10

Un saludo, y hasta la semana que viene.

Náufrago - WPM

3:10 to Yuma: O como crear un Western clásico en el Hollywood Moderno.

2010-04-26T07:50:00.000-07:00

Hace unos meses tuve la suerte de ver "3:10 To Yuma". Fuí de los afortunados que disfrutó de la versión original con Glen Ford cuando era un enano (no hace tanto tiempo, me las doy de viejo) y recuerdo disfrutar con su argumento atípico. Han pasado varios meses, desde que ví por primera vez el trailer. Cuando comprobé, que dos de mis actores preferidos salían y compartían protagonismo, no pude sino regocijarme como un loco. "Whoa, Bale y Crowe juntos..."

Seré directo y claro. "3:10 To Yuma", es un nuevo aspirante a clásico del western. Sin rodeos. Por suerte o por desgracia, no es un género que se prodigue, y salvo honrosas excepciones (lo siento, pero me viene la excelente Open Range siempre a la cabeza) no hay mucho donde escoger. Desde el primer momento que arranca la película, nos encontramos ante algo excelente. La música nos mete de lleno en unos espartanos títulos de créditos y se nos presentan a los personajes. Dan Evans (Bale), un granjero (cojo) pordiosero con deudas y su familia, malvive en unos terrenos secos y arenosos. Una noche, le incendian su granja y debe acudir al pueblo cercano a "aclarar" unos asuntos. Sin comerlo ni beberlo, se encontrará con Ben Wade peligroso forajido, que le dá forma un inmenso Crowe.

Hasta aquí, parece la sipnosis de un western o una película del palo convencional. Pero no será hasta bien entrada la aventura (tras el cojonudo ataque a la diligencia por la banda de ladrones de Wade) cuando nos demos cuenta que hay algo más que una buena ambientación o un buen cartel. Sin ir más lejos, me llamó la atención la cuidada puesta en escena y sus laboriosos detalles. Para ser honestos, hay escenas que repetí varias veces. Planos que me parecieron ingeniosos o composiciones en la imagen que son de órdago. Una pista: dinamita + caballo = a buena y realista reacción. Y lo que es mejor, rodarla de la mejor pforma posible. Os lo digo: es una película que tiene un "mundo" consistente tras sus espaldas. Por una parte, es fácil, sobretodo si trabajamos casi al 100% en un guión anterior y bastante bueno. Pero James Mangold sabe lo que hace. Sabe darte más sin tener que pedirlo. Creo que no hay nada que esté descuidado o dejado al azar. Todo es real y encaja en la situación, y es consecuente con el propio argumento de la película. Argumentalmente hablando, tendremos situaciones típicas del western más clásico, aderezadas con toques realistas propios de producciones más recientes. Ahí radica la gracia y el encanto de "3:10 To Yuma". El desarrollo de los personajes es bastante creíble, y la dualidad del bien y el mal, está difusa en gran parte del metraje. Crowe y Bale, tienen sus peleas dialécticas, y hace que el argumento general (bastante simple) avance conforme el rollo se va gastando. Se podría decir, que casi el 70% del peso del guión, recae sobre estos dos hombres. Pero hay algo más. La película, aparte de la pareja protagonista, tiene personajes tan carismáticos como lo son los integrantes de la banda de Wade, destancando Charlie Prince y Campos (francotirador mexicano) o el doctor (que ya veréis que es realmente).

Hablando de detalles y eso. El maquillaje es excelente. Creo que aquí, tiene que ver mucho la desmitificación de diferentes épocas, que está haciendose hueco el cine actual. Algunos ortodoxos de la materia, dicen que es malo para romper la "irrealidad real" del cine, pero a mi me gusta creerme algo. Creer en lo que veo. Pues bien, el maquillaje de "3:10 to Yuma", sobrepasa la prueba de lo "tangible" o real. Mineros sucios, vasos y botellas manoseados, sudor, lágrimas, sangre...Y lo que es mejor, nada es gratuito o creado por imposición. Todo cuadra y confiere un aspecto realista a la película. A nivel sonoro, no puedo si no decir eufóricamente, que estamos ante una de las mejores composiciones originales para una película en lo que llevamos de Siglo XXI (nominada a los Oscars 2008). Preciosa, de verdad. Escuchar el tema principal o alguna pista al azar. Si os gusta Marco Beltrami, creo que aquí ha alcanzado la cima. La música evoca escenas e imágenes del duro oeste, y hace más llevadera toda la acción cuando tiene que hacerlo. Lo dicho, de 10.

La cinta tiene una duración justa, y quizás peca de lenta en alguna de las situaciones o momentos. De todas formas, hay que decir, que no todo es perfección en la viña del Señor. "3:10 To Yuma", tiene algunas escenas ingenuas, facilonas o simplemente, ya vistas. La precipitación de alguno de los hechos al final, hacen que el resultado se empañe ligeramente, y que la gustosa sensación que ha ido dejando a lo largo de la historia, se venga abajo. Pero creo que no hay que equivocarse. Esos defectos, ya estaban presentes en la película original, y para no traicionar al orígen, se tenían que dejar tal cual. No creo que sean determinantes en gran media, pero es conveniente dejar constancia de ellos. "3:10 To Yuma", es una excelente película, que debeis disfrutar cuanto antes, los amantes del Western clásico. Huelga decir, que pude verla en V.O. Como amante del cine tal y como se crea o idea, quiero decir que si uno tiene cierta noción de inglés, la variedad de acentos y modismos, es espectacular. Bale, (como dice un buen amigo mío) es el hombre de los mil y un acentos. Y lo vuelve a demostrar.

Creo que no tengo nada más que decir, os dejo el trailer.

Espero que os guste mi entrada y hasta la próxima.

Un saludo a todos.

WPM.

El procesamiento de Garzón

2010-04-25T08:56:00.000-07:00

Al juez Garzón lo van a procesar porque se ha dedicado a investigar los crímenes del franquismo sin tener jurisdicción sobre ello. Lo que esto quiere decir, explicado de un modo simple (y no del todo exacto, como es a veces lo simple), es que Garzón se ha metido en un lío no por investigar esos crímenes, sino porque eso no era asunto suyo, no era competencia suya.

Ahora bien, lo que nos tiene a todos en vilo, lo que hace que se celebren manifestaciones (muchas a favor de Garzón, algunas en contra) en distintas ciudades es que todos sabemos que lo que se discute no son las competencias ni las obligaciones de Garzón como juez, sino los crímenes del franquismo. Unos se alegran de que por fin alguien vaya a hacer pagar a los culpables; otros se indignan porque “es mejor dejar las cosas como están”, “ya pasó mucho tiempo”, “para qué reabrir las heridas”. En el fondo, en todo este asunto, ya lo de menos es Garzón.

Yo soy de los que se alegran. No me importan los motivos de Garzón. No sé si hace esto por vanidad, porque le gusta ser un juez estrella (quizás sí) y salir en la prensa constantemente, o por deseo de hacer justicia. Ni siquiera le tengo especial simpatía y, además, me desconcierta mucho esa voz aflautada que tiene, que no casa con su cara. Pero, igual que me alegré cuando decidió procesar al grandísimo hijo de puta de Pinochet, me alegro de que quiera investigar los crímenes del franquismo.

Me alegro, en primer lugar, porque los delitos que se cometen al amparo del estado o que el propio estado comete son especialmente repugnantes. Ganar una guerra no justifica pasarse cuarenta años actuando por encima de la ley o doblegando la ley a conveniencia propia y de los tuyos.

Me alegro, en segundo lugar, porque no estamos hablando de Historia antigua: quedan todavía muchas personas que vivieron la guerra civil y, desde luego, más o menos la mitad de los españoles (como mínimo todos los que tienen 50 años o más) tiene recuerdos precisos de la dictadura, que marcó su infancia y parte del resto de su vida.

Me alegro, en tercer lugar, porque no se trata de reabrir las heridas. Las heridas están abiertas todavía y es necesario cerrarlas. Se encarceló gente inocente cuya vida quedó torcida para siempre; se ejecutó gente con acusaciones falsas; se “expropiaron” bienes que continúan en manos de los herederos de los criminales.

No es demasiado tarde para cerrar heridas y reparar daños, por lo menos en parte.

Durante la dictadura, las mujeres perdían su condición de funcionarias del estado si se casaban. Años después de morir el dictador, se les devolvió su trabajo y su condición a las que quisieron y pudieron aceptarlo. Algunas volvieron a su trabajo, después de veinte años, de treinta años… No se les pudo devolver el pasado, pero para muchas eso cerró algunas heridas…

No sé los motivos de Garzón, pero me gusta mucho la que está armando.

Entrevista, Pepe vacaloura y Tomás (the outsiders)

2010-04-24T05:34:00.000-07:00

Bueno, estrenamos nueva sección en el blog, será algo habitual en cuanto a los conciertos de grupos locales. Esperemos que os guste, como podreis ver en esta ocasión nos centraremos en el concierto que tendrá lugar este Sabado 24 de Abril en el Bar de Juan (Antiguo Anoeta) por Os Vacalouras + The Outsiders.

Grupos:

Os Vacalouras (Myspace)
The Outsiders (Myspace)

Lugar: Bar de Juan(Antiguo Anoeta)- Web
Precio: 3 €
Comienzo: 22:00 Horas

Comenzamos con Pepe Vacaloura, tambien conocido como JuanchoDigger, Vacaloura, Pepe, Joselu, Pepelu, Juancho, JoseLuis, Fornido Rock y mil más. Como me imagino, muchos ya lo conocereis, quien no lo haga, no sabe lo que se pierde.

WPM - Buenas noches Pepe.

Pepe - Awaria?

WPM - Aqui el trio Calavera al habla... Empecemos pues con la entrevista, si usted quiere.

Pepe - Adelante.

WPM - ¿Qué tipo de música es la que más te gusta?

Pepe - Pues yo escucho de todo un poco pero si tengo que escoger elijo el "jebi metal".

WPM - ¿Cómo empezasteis Os Vacalouras?

Pepe - Bueno, es la historia de siempre, Victor tenía una guitarra española por casa y había empezado a tocarla pero no tenía una gran idea y un día Gabi y él iban a jugar al escondite pero Estrela ( la hermana de Victor, pobre, siempre es una referencia del nacimiento del grupo y nunca se lo agradecimos) se quería cambiar de tenis y mientras tanto Gabi empezó a cantar una canción que a Victor le gustó y la llevó a la guitarra así nació lo que se fue la pequeña larva musical que ahora es mariposa, más tarde entró Navarro ( lo conocieron seriamente en una discoteca, y no es coña) y luego llegué yo para grabar un tema para un concurso y me quedé. Aunque yo antes de conocerlos bien, me reía de ellos por las frikadas que hacían XDDDDD

WPM - ¿Qué futuro le ves al grupo?

Pepe - El futuro es incierto y muy cabrón, me gustaría llegar a algo donde nos conocieran y pudieran vernos por toda Galicia, como una supergira donde estuvieramos todo el día drogados y borrachos y después desaparecer como si no hubiera pasado nada... después de ganar un grammy claro. O grabar un CD simplemente XDDD

WPM - ¿Qué crees que le gusta a la gente de Os Vacalouras?

Pepe - Pues no lo sé sinceramente, si somos una "broza" inaguantable. Pues creo que dicen "buah toda la semana en clase o trabajando (O SIN HACER NADA, VAGOS!!!) coño un concierto de Vacalouras, voy a volverme loco allí y desfogar" porque aquello es un pequeño circo de los horrores.
Está Gabi el monohuevo y Michael Jackson resucitado, Victor el hombre-cabra barriga alien, yo el troll de las cavernas y Navarro el hombre sin cuello duende.
Pero en mayor medida va la gente para pasarselo bomba o tirarnos cosas (eh Omar) y gritar groserías.

WPM - ¿Qué opinas de The Outsiders?

Pepe - The Outsiders, me parece una bandaza, osea no son los mejores músicos de Vigo(ni falta que les hace) pero son unas personas divertidas y del buen hacer (y del buen beber). Van a dar de que hablar, y espero que no sea en las necrológicas. Es Hard Rock no se le puede pedir más y aún todo por encima te da todo lo que pides.

WPM - ¿Qué nos podemos esperar del concierto del sábado?

Pepe - Pues desmadre a la antigua ausanza, espero que muchas pachucas, temas nuevos, espéctaculos nuevos (Gabi puede morir en este nuevo espectaculo) y por supuesto toda la gente que nos conoce y conocemos (que son nuestra "familia", bueno Fituka andará por allá asi que...) espero también gente que no nos conozca y se lleve una buena impresión de las dos bandas y que nos haga promoción.

WPM - Y por último, la pregunta trampa... ¿Qué opinas de Nikki Sixx?

Pepe - Porque con trampa? Y el cartón que eh y la uralita?, pues sinceramente no escucho nada Motley Crue (¿Que supongo que será de ese grupo no?) y las pintas de furcias que tienen en el escenario me son irrelevantes y el "jicho" ese no sé que decir de él (el principio tambien es parte de las respuesta pero por parte filosófica)

Y ahora toma el relevo Tomás (tambien conocido como "Kriatura"). Cantante de The Outsiders. A pesar de que le gusten las palomitas sabor mantequilla, esun buen tipo.

WPM - Tomás, ¿Entrevista?

Tomás - Entrevista.

WPM - ¿Qué tipo de música es la que más te gusta?

Tomás - No podría centrarme en un género, abarco de todo, desde el rock más suave hasta brutal death metal, además de blues, jazz, new age (si, new age XD), clásica... soy un melómano irremediable

WPM - ¿Cómo empezastéis The Outsiders?

Tomás - El grupo se remonta a hace bastante tiempo ya, lo formaron tanto Chino (guitarra) como Adri (bajista) y yo siempre supe de su existencia porque conocía a Chino de algunas noches y porque había estado con Adri en Epitaph y manteníamos el contacto. Luis llegó bastante antes que yo y estuvieron un tiempo con Rebe (ex-Saganus) de vocalista. Por comienzos de este verano pasado cuadró la disolución de Epitaph con la ida de Rebe del grupo y Chino y yo acordamos que probaría, y surgió la chispa. Al mes, entró Manu echándonos una mano, ya que ensayaba justo antes que nosotros y lo que era una colaboración porque "cuadraba así" se convirtió en un miembro mas, completando el grupo.

WPM - ¿Qué futuro le ves al grupo?

Tomás - Yo nos veo con muchas ganas y fuerza. Costó arrancar al comienzo allá por Junio, pero con el tiempo hemos ido arrancando y llegado a un punto en el que las cosas solo parecen ir a mejor, tenemos unos ánimos increibles y un grupo de personas que nos brindan un apoyo importante. Veo que la cosa sale adelante, en breves habrá una maqueta, más conciertos en Mayo (dos seguidos de hecho, mirad el calendario Rock_Vigo :P) y más temas nuevos, y sobre todo, más ganas aún por seguir adelante, seguro. El tiempo dirá, pero yo lo veo bien. Si la cosa sale de puta madre, salió, si no, lo habremos disfrutado, eso, desde luego.

WPM - ¿Qué crees que le gustará a la gente de The Outsiders?

Tomás - Creo que a la gente le gustará el hecho de que somos un grupo de un estilo que no abunda en Vigo, papamos mucha música de los años 80, y aún asi nos gusta todo lo que sale ahora de géneros que vienen pegando caña desde esa época, así como nos gusta Kiss nos encanta Chrome Division, y hemos decidido tomar un camino intermedio que parece funcionar, eso es algo que aquí no suele escucharse, y sin embargo si que hay bastantes fans del género, creo que es un punto a nuestro favor.

WPM - ¿Qué opinas de Os Vacalouras?

Tomás - Es un grupo genial. Cuando los escuché por primera vez flipé porque eran unos chavalillos y, aún tocando 4 acordes, llenaban una sala, y era obvio, porque te partes el culo con ellos. Mezclan dos cosas que en mi vida son esenciales, música y humor, y eso hace que me encanten, además de ser algo que mucha gente dice "molaría hacer" pero solo pocos le echan las pelotas que ellos si que tienen. Me da confianza tocar con ellos y me alegra, porque además son unos tíos cojonudos. Probablemente no sea Vacalouras lo que tenga en mi mp3, pero nunca lo he pasado mal en un concierto de ellos, ni un ápice.

WPM - ¿Qué nos podemos esperar en el concierto del sábado?

Tomás - Tetas xD. No, en serio, lo que podéis esperar son muchas ganas y mucha caña, hard rock, macarreo, algun momento mas relajadito, mas caña de nuevo, y alguna grata sorpresa para alguno que conocemos. Ante todo, podeis esperar mucha fuerza, mucha ilusión puesta en ello y, si los medios para ello no fueran suficientes, pondremos aún mas fuerza. Si el micro suena bajo, a gritar mas, y esperamos que el público colabore :). Vamos a darlo todo por dejar a la gente con buen sabor de boca en este primer concierto, para que no se quieran perder el segundo, y los que se pierdan el primero, vengan al siguiente.

WPM - (Pregunta trampa) ¿Qué opinas de Nikki Sixx?

Tomás - JAJAJAJAJAJAJAJAJAJA, no sabría darte una opinión, el otro día le dije a un amigo: "Nikki Sixx, si, le tengo bastante manía, pero vaya, si no fuera por sus animaladas varias, hoy no escucharíamos 'Kickstart My Heart' ". Eso si, me costaría aguantar en un grupo con alguien así, mucho.

WPM - Pues muchas gracias a los dos.

Os Vacalouras

The Outsiders

(Nota*: No están todos los miembros)

Y con esto nos despedimos, señoras y señores. Os recomendamos efusivamente que acudáis al concierto que se celebrará hoy por que, por lo que hemos leído, promete mucho.

Un saludo desde WPM!

RED DEAD REDEMPTION

2010-04-23T08:33:00.000-07:00

Hace ya unos cuantos años, 6 para ser exactos, Rockstar nos trajo un juego un tanto distinto a los que nos tenía acostumbrados la compañía. Red Dead Revolver, en un principio la licencia estaba en manos de Capcom, pero se la vendió a Rockstar, que nos brindo un producto algo alejado a los que nos tenían acostumbrados. Nos metíamos el la piel de Red Harlow, un vaquero que se veía envuelto en una historia de venganza con cierto olor a Spaghetti Western. El juego gusto lo suficiente para vender alrededor de un millón y medio de copias; incluso hubo rumores de una supuesta secuela que nunca llego a la luz; hasta ahora.

El 03 de febrero de 2009 se anuncio oficialmente el Red Dead Redemption una especie de secuela espiritual por así llamarla al Red Dead Revolver, compartía ambientación, pero cambiaba el protagonista, aun conservando rasgos bastantes similares a los de Red.

En Red Dead Redemption nos ponen en la piel de John Marston, un antiguo forajido y nos mandan a principios del siglo XX, en América, el mundo del cowboy esta llegando a su fin, cuando nuestros antiguos compañeros de tiroteos, nos traicionan y un grupo de agentes federales amenazan a nuestra familia. Nos envían a la frontera americana para ayudar a imponer la ley a nuestra manera, viviendo emocionantes combates con armas bien adaptadas a la época, asaltos a diligencias y trenes, y con emocionantes duelos a lo largo de nuestra historia como caza recompensas, mientras sobrevivimos a una época que sufre violentos cambios sociales y con un extenso y maravilloso mundo abierto donde lucharemos con el fin de sepultar a aquellos que mancharon de sangre nuestro pasado, uno a uno…

A diferencia de su precuela, el Red Dead Redemption es un Sandbox, no estaremos limitados a unos escenarios pequeños, el mapa será dos veces el tamaño del GTA San Andreas, y estará dividido en tres regiones, cada una del tamaño del Liberty City del GTA IV. Además contara con los ciclos de día y noche y diversa fauna que puede molestar un poco en nuestro viaje.

Otro punto fuerte de Red Dead Redemption es su motor grafico y físico (ya vimos el resultado en el GTA IV), el cual a permitido que nuestros amigos de Rockstar hacer muy bien su trabajo. Por ejemplo en medio de un tiroteo vemos que nuestra presa se escapa, podemos dispararle un tiro a la pierna y después acercarnos tranquilamente a rematarlo.

Cuando comencemos nuestras aventuras seremos libres de toda elección, podremos ir a donde queramos y hacer prácticamente todo lo que queramos hacer, desde tener ganado y sacarlo a pastar, ser jugador profesional de poker, el alcohólico del pueblo, salir de caza de osos, lobos, y todo tipo de fauna, ser un destacado cazar recompensas con multitud de formas de terminar nuestras cacerías montando trampas, engañando con nuestro carisma o siendo el pistolero mas rápido, pero ojo, algunos criminales solo darán recompensas por entregarlos vivos, así que atémoslos a nuestros caballos y acerquémonos a trote mientras los arrastramos a la comisaria mas cercana.

La notoriedad también tendrá un papel importante en el juego. Si quieres atracar un banco y vas a cara descubierta tendrá mas impacto en tu nivel de búsqueda, que tapándote la cara con una bandana. Como detalle curioso, a mayor nivel de busca mas carteles de Wanted con nuestra cara encontraremos, y saldrán patrullas de búsqueda para capturarnos.

Las armas serán las usadas en la época. Entre algunas de ellas encontraremos en nuestro viaje destacan algunas como el revolver cattleman, el rifle de repetición carabina, un lazo, cuchillos arrojadizos,
cuchillos de desuello, pistola mauser, escopetas recortadas, y la llegada de las primeras gatling.

Otro punto importante es la montura, nuestro fiel corcel. Podemos buscar un caballo salvaje e intentar domarlo aunque hay que tener cuidado, podemos fallar con sus resultados. El caballo tendrá su propia barra de vida, asi que podemos llegar a perderlo en un tiroteo, o incluso nos lo pueden robar. Por supuesto y sin faltar al tópico el caballo responderá a nuestros silbidos. Y si no queremos montar, pues tendremos trenes y diligencias, pudiendo hacer el viaje en tiempo real o durmiendo una siesta para llegar en un momento al destino.

La historia del juego avanzara a base de misiones, que son un pelín mas largas que en los GTA. Y por supuesto misiones secundarias, Poker, Caza recompensas, caza...

Además del modo un jugador tendremos a nuestra disposición el modo online, donde podremos hacer nuestras propias bandas de amigos para atracar bancos ir a por forajidos, participar en concursos de cacerías, o hacer duelos entre nosotros.

Red Dead Redemption llegará a Xbox 360® y PlayStation®3 el 18 de mayo de 2010 en Norteamérica y el 21 de abril de 2010 en Europa. Por cierto y como nota final, según el sitio donde reserves el juego te darán un regalo distinto, desde una baraja de poker, a distintas armas y ropas para el personaje.

nos vemos en el próximo juego

Glee: The losers are coming

2010-04-21T13:50:00.000-07:00

Hola, como los jueves son mi día, me toca hablar.

Bien, hoy, señoras y señores, os voy a presentar a Glee! (Puede que muchos ya la conozcais).

Glee es una serie de comedia emitida por la cadena Fox. El episodio piloto se emitió el 19 de mayo de 2009 en E.E.U.U y el resto de la temporada empezó a emitirse el 9 de Septiembre de ese mismo año una vez por semana. Fue creada por:

Ryan Murphy yBrad Falchuk. (Escritores también de la serie Nip/tuck)
Ian Brennan.

Argumento:

El profesor de instituto Will Schuester vuelve a crear el coro con la intención de recordar sus viejos tiempos de estudiante como estrella del mismo club. Glee trata de como la "posición social" condiciona ciertos comportamientos y cómo una serie de personas (cada cual más extravagante) , pasando por todos los estereotipos posibles que puedas hayar en un instituto, desde la chica rara hasta el jugador de fútbol, pasando por el gay, lucharán contra estas leyes no escritas para sacar el coro adelante. Todo esto acompañado de una buena banda sonora y una serie de altercados que harán que te enganches.

Personajes:

Will Schuester (Matthew Morrison): Profesor de español en el instituto William McKinley. Fundador del coro y antiguo miembro del mismo. Casado con Terri, una mujer que no quiere que esté ocupado en cosas que no aporten nada a la economía familiar.
Sue Sylvester (Jane Lynch): Entrenadora de las animadoras del instituto. Intentará por todos los medios posibles acabar con el coro.
Emma Pillsbury (Jayma Mays): Orientadora del instituto. Una mujer misofóbica (sufre miedo a la suciedad) que ayuda al coro en todo lo que le es posible. Se encuentra atraída por Will
Rachel Berry (Lea Michele): La rara. Sus padres son homosexuales. Defiende que ha nacido para ser una estrella y no parará hasta llevar al Glee club a el concurso de coros nacionales.
Finn Hudson (Cory Monteith): El Quarterback del equipo de fútbol. Tiene un talento nato para cantar pero en un principio no se une al club por el "que dirán" al ser uno de los populares. Sale con Quinn Fabray.
Quinn Fabray (Dianna Agron): Es la capitana de las animadoras y la presidenta del Club del Celibato. Se une a Glee para tener vigilado a Finn.
Noah Puckerman (Mark Salling): El mejor amigo de Finn. Un chico apuesto y un vivalavida, le veremos con distintas mujeres a lo largo de la serie, aunque las prefiere maduritas.
Kurt Hummel (Chris Colfer): El gay. Su talento para la moda (exquisito) es directamente proporcional al del canto. Huérfano de madre, vive con su padre (al cual no se siente capaz de decirle la verdad acerca de su sexualidad)
Mercedes Jones (Amber Riley): Es humillada por todos por su tamaño y su raza, pero nadie sabe que tiene una voz tan potente como la de Aretha Franklin.
Artie Abrams (Kevin McHale): El paralítico. A pesar de su discapacidad física hace verdaderos milagros con la guitarra y su voz. Intentará conseguir el amor de Tina.
Tina Cohen-Chang (Jenna Ushkowitz): La asiática tartamuda. Como todos los tartamudos, al cantar no se le nota su problema y, además, no es que se le dé mal precisamente. Se fijará en Artie al darse cuenta de que los dos tienen algo en común.

Recomiendo Glee a cualquier tipo de público porque, ya aparte de su gran banda sonora, es una buena serie, con una historia y problemática que te engancharán y harán que estés cada semana a pie de cañón para ver que les ocurre en el nuevo episodio a los personajes a los cuales cogemos mucho cariño (o no tanto, en algunos casos) y que nos harán sentir grandes momentos al ritmo de la música.

Y con esto me despido, lectores!

Detroit metal city

2010-04-21T06:17:00.000-07:00

Bueno, me toca a mi.
Hoy voy a hablaros de ésta serie de anime que me tiene impresionada, Detroit metal city.Detroit metal city es una serie basada en su manga original, creado por Kiminori Wakasugi en 2005. El comic se publica desde entonces en la revista Young animal. La serie salió en 2008, aunque cuenta únicamente con doce capítulos y solo se representa el principio de la historia, merece la pena verla. Simultáneamente al anime también salió a la luz una película de imagen real (live action) en la que al parecer participa el mismísimo Gene Simmons (normal, teniendo en cuenta que el título es una parodia descarada del tema "detroit rock city" de Kiss).
El argumento es completamente desternillante:
Soichi es un chico que sueña con estar en un grupo de pop, aunque por las referencias que dan parece más bien indi. El chaval se muda a tokyo para realizar su sueño, y para ser profersor de de guardería. Le encanta el cine francés (es más en su habitación tiene un poster de la película "Amelie" y está enamorado de Aikawa Yuri, una amiga de la infancia que comparte sus aficiones al 100%. El problema viene cuando, por h o por b, acaba siendo vocalista en el grupo de death metal más famoso del país. Soichi odia ese estilo de música pero tiene que aguantarse hasta que encuentre un grupo más acorde con sus gustos.Detroit metal city, que es el nombre del grupo, son los ídolos de una horda de fans completamente enloquecidos que los adoran como si fueran dioses, literalmente. Nuestro joven protagonista, cuando está caracterizado sobre el escenario, es conocido como Krauser. A veces da la sensación de que el chico tiene doble personalidad, porque vestido de Krauser se convierte casi en el mismísimo satán, dando lugar a miles de leyendas urbanas, como por ejemplo que violó y mató a sus padres, y no necesariamente en ese orden.
Tanto la serie como el manga giran en torno a las tropelías y líos en los que se mete Soichi, tanto como Krauser como siendo "él mismo", Ya que intenta complacer a sus fans y tambien a la gente que comparte sus gustos por el pop. Principalmente a la chica de la que está enamorado, la cual, odia al famoso grupo de death metal. Entre esto y que la manager del grupo está como una maldita regadera tenemos todos los ingredientes para una buena y bizarrisima comedia japonesa.
Merece muchísimo la pena, es la típica serie con la que no paras de reirte desde el primer segundo hasta el último. Si alguno habéis visto Metalocalypse y os ha gustado, esta os encantará seguro.
Os dejo aquí, un video hecho por un fan que trae la canción del opening de la serie, que a su vez es el single del grupo, con imágenes de la serie.

Yo no sabía que hay película de imagen real, pero voy a ponerme a buscarla ahora mismo.

Bueno, yo soy Yue Denna y voy a hablar principalmente de manga y anime, aunque es posible que algún día me de por comentar música o alguna noticia.

WPM

tramite del technorati

2010-04-21T06:13:00.001-07:00

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Cynic: Traced in Air

2010-04-20T14:46:00.000-07:00

Cuando se escuchan grupos de rock y metal, uno tiende muchas veces a desear escuchar aquello que llevamos escuchando desde los años 70-80, los mismos riffs pegadizos y contundentes de siempre, los solos virtuosos y emotivos. Pero cuando se trata de innovar, ahi surge la típica frase "En música está todo inventado, uno solo puede hacer lo mismo con su toque personal, y utilizando los mismos recursos que el anterior".

Por supuesto que jamás podremos quitarle el mérito a bandas del calibre de los Maiden, innovadoras en su día; al igual que tampoco podríamos quitarsela, en el ámbito del Death Metal, a Chuck Schuldiner y su banda Death. Pero hoy no voy a hablar de Death ni de Chuck, sino que hablaré del proyecto paralelo del compañero a la guitarra de Chuck en la época del disco Human: Paul Masvidal, guitarrista, voz, y frontman de la que quizá sea la banda mas innovadora del Death Metal Técnico en los últimos años: Cynic. Mas en concreto, hablaré de Traced in Air, su último y sorprendente disco, salido a finales del 2008, y que a día de hoy no deja de sorprenderme.

Para empezar, un poquito de historia, Cynic nació como un grupo de Death Metal Técnico a finales de los 80, tras haber sacado una serie de maquetas, ficharon con Roadrunner Records en 1991. En el 1993 sacaron su primer LP, Focus. Un disco que marcó mucho por la fusión magnífica entre elementos de Jazz junto con la tecnicidad siniestra del Death y unos ritmos propios de la composición del Metal Progresivo. Las voces rasgadas y guturales fueron realizadas por el teclista colaborador Tony Teegarden, pero un elemento característico de Cynic ya visto en este disco es la inclusión de voces procesadas por un aparato conocido como Vocoder que le da un aspecto misterioso a la música, casi alienígena. Esta música sería un paso previo a lo que se escucharía poco después con el Orchid de Opeth. Tristemente, un año después Cynic se disolvía dejando un vacío en la historia del Death Metal mas innovador y personal.

Pero la sorpresa llegaría a los fans con los rumores y confirmación de una reunión del grupo en 2006, con su posterior gira en 2007 y el disco en el año 2008. Fue por aquel entonces cuando supe de la existencia de esta banda, ya que vendría al Alternavigo en su primera edición del año 2008, y pude encontrar el Focus, como una demo magnífica Portal, pero lo que mas me sorprendió fue un directo de una canción-adelanto de lo que sería su próximo disco. La canción llevaba por título Evolutionary Sleeper, y si bien no era lo que yo esperaba, cumplía con mis gustos mas que por completo, un directo impecable con un tema de lo mas curioso, nunca había escuchado nada parecido de aquella, y me chocó muchísimo el efecto que genera ver un hombre con una guitarra "decapitada" cantando con una voz extrañamente distorsionada. Aqui dejo el video ante la imposibilidad de insertarlo, atentos a como Paul coordina perfectamente el complejo riff de la frase junto con su voz.

Días después conseguiría el disco: Traced in Air, producido por la independiente Season of Mist. Después de escucharlo y reescucharlo mil veces solo puedo llegar a la conclusión de que es un disco que no debe faltar en la coleción de los amantes del Metal Progresivo ni de los del Death Metal Técnico, y a los que no sean amantes de los géneros, al menos darle una escuchada, solo por curiosidad. Es un LP digno de ser escuchado de principio a fin sin pausa, algo así como el Appetite for Destruction o el Master of Puppets del Death Metal Progresivo y de las músicas inclasificables por la elevada cantidad de matices que lo convierten en una obra completamente impredecible. Las guitarras de Paul son reconocibles a la primera escuchada en canciones como la magistral The Space for This, segunda pista del LP, la cual abre con una introducción limpia y relajante para dar paso a uno de los hipnotizantes riffs del disco. El disco abre y cierra con dos canciones referentes a las visiones del tiempo Nunc Fluens abriendo, y la octava pista Nunc Stans, ambos en caracter calmado y, a su vez, intrigante, de introducción y epílogo del disco. Evolutionary Sleeper difiere del directo en una mayor concentración de guitarras y algunas voces rasgadas que le dan mas fuerza. Esta va seguida de la que considero Magnum Opus de Cynic: Integral Birth, una canción de letras misteriosas en la linea de todo el disco, pero que, aunque se desmarca de la clasificación del Death Metal, es capaz de transmitir emociones y una fuerza tal, capaces de erizar la mas lisa de las melenas. El comienzo In Crescendo de The Unknown Guest nos lleva a otra dimesión mas siniestra con ritmos mas psicodélicos y mayor inclusión de elementos Jazz. Adam's Murmur, comienza con un fantástico riff con voz que posteriormente se repetirá tras un extraño ciclo de riffs y voces que dejan ver las capacidades de la banda, que no son pocas. Por último antes del cierre del disco con Nunc Stans. Va King of those who know que abre con las voces de Amy Correia sobre una introducción de guitarra acústica, seguida de mas de lo mismo, riffs psicodélicos y elementos jazz, la canción quizá con mayores guitarras limpias de la canción y mas rupturas en el ritmo, así como la mas larga del disco, con una duración de 6 minutos y uno de los solos mas impresionantes (pero quizá menos emotivos) del disco.

En resumen, Traced in Air es todo un ejemplo de innovación musical, un disco que es capaz de fundir la genialidad del Jazz, la furia del Death Metal y la complejidad del Metal Progresivo, bajo un aura emotiva e intrigante que hacen de él uno de los mejores discos de la última década, digno de poner a oscuras a las 4 de la madrugada y dejarse llevar por las hipnotizantes melodías, un disco que os hará viajar; algo que no muchos logran conseguir.

Ficha:

"Nunc Fluens" – 2:56
"The Space for This" – 5:46
"Evolutionary Sleeper" – 3:35
"Integral Birth" – 3:53
"The Unknown Guest" – 4:13
"Adam's Murmur" – 3:29
"King of Those Who Know" – 6:09
"Nunc Stans" – 4:13

Duración total: 32:54

Género: Death Metal Técnico, Metal Progresivo, Fusión-Jazz.

Discográfica: Season of Mist.

Valoración final.
Para ser una primera valoración, he escogido uno de mis discos favoritos, aunque quizá he de confesar que peca de repetir los recursos técnicos de Paul una y otra vez, sigue pareciendome una obra maestra de las que jamás cansa escuchar. Un disco equilibrado y un paso acertado aún alejándose del Death Metal. Los fans esperamos con ganas el próximo LP, mientras, nos conformaremos con escuchar el próximo EP, Re-Traced, que saldrá el mes que viene. 9/10.

Aqui queda mi primera huella en este blog. Mi nombre es Náufrago, Kriatura para aquellos del foro Rock Vigo, y me centraré principalmente en críticas musicales del estilo de la de hoy, además de artículos de opinión y de cubrir, junto con el resto del equipo del blog, los conciertos de la zona de Vigo y alrededores.

Un saludo, y hasta la próxima entrada.

WPM

2010-04-19T08:07:00.000-07:00

"Bienvenidos a ZombieLand"

Cuando se encuentran ideas originales entre secuelas, adaptaciones y plagios descarados de películas anteriores pero con más bombo y artificio, siempre suelen parecer mejor de lo que realmente son. En un año bastante movidito en cuanto a temática de terror y gore (sobre todo en circuitos menos comerciales), es difícil destacar. Y más si eres un director novel, como Ruben Fleischer. Tener una idea original, conseguir el presupuesto y los actores indicados para llevarla a cabo, lograr que todo acabe plasmado en la pantalla de la mejor manera posible y para colmo, no traicionar tus principios consiguiendo una buena película sin presiones ajenas (muy propias de los primeros films a los que se enfrentan un director recién salido del cascarón), es muy difícil. Muy pocos pueden alardear de ello.

Ruben Fleischer ha demostrado en sus contactos y entrevistas con la prensa, que es un hombre bastante curtido cinematográficamente, y eso se nota. Él mismo ha declarado varias veces que es un director con gran cariño y pasión por otros grandes realizadores, como pueden ser Sergio Leone o el mismísimo George Romero (éste último, padre del concepto de zombie y de muerto viviente tal y como hoy conocemos). Ruben Fleischer se identifica con ellos, incluso se atreve a decir que en cierta manera, sus películas son homenajes a su forma de rodar y contar historias. Un hombre que ame a Sergio Leone, no puede ser malo, la verdad. Otra cosa es que dichas aficiones y gustos se plasmen con coherencia o verosimilitud en la pantalla (cosa que no pasa en "ZombieLand"), pero el tenerlos de maestros de fondo y cabecera, siempre reconforta en una época de genios encumbrados, dioses caídos y geniecillos de tres al cuarto.

"ZombieLand" nos propone una idea fácil y bastante trillada en cuanto a punto de partida. Todo el mundo ha caído bajo una epidemia que vuelve locas a las personas. Las convierte en zombies con ansias de carne y sangre. Así pues, todo rastro de civilización, de vida humana organizada, de todo lo que conocemos, ha desaparecido en cuestión de días y horas. En tal caótica y apocalíptica situación, muy pocos son los que logran sobrevivir sin cometer errores, fallos o descuídos. Hay que tener la máxima concentración para tener una oportunidad de vivir y no caer presa de las hordas de zombies (o infectados, vayamos a tener problemas o disgustos) que reinan en las calles y autopistas. Para ello, nuestro protagonista, interpretado por Jesse Eisenberg (al que ya vimos en la excelente "Adventureland"), idea y escribe una serie de reglas básicas para sobrevivir. Dichas reglas (que serán el principal leitmotiv durante toda la película y a las que no faltarán las referencias pertinentes según en que momentos), son mostradas de una forma tan original como novedosa, y se convierten en uno los aciertos más interesantes y buenos del film. Presentadas con pequeños sketchs y situaciones, mostrarán los aciertos y logros (así como los fallos) de las personas que las cumplen y las que no. Divertidas, y muy realistas. Y lógicas. Al fin y al cabo, dichas premisas son simplificaciones de las ya vistas en el maravilloso libro de Max Brooks "Zombi - Guía de superviviencia", publicado hace bien poco en España.

Así pues, siguiendo dichas reglas, Jesse Eisenberg acabará topando con el típico tipo duro. Un hombre curtido, peligroso y que se ha forjado así mismo en un mundo reinado por los zombies y que se desmorona por momentos. O eres fuerte, o te comen. Quizás ésta sea la referencia al cine de Leone (tipo con sombrero que baja de un caballo o coche, con un rifle entre manos y de muy pocas palabras), pero no queda demasiado claro para la audiencia. Sin apenas intercambiar palabras (se nombran como capitales de Estado y ciudades de los Estados Unidos para evitar intimar demasiado), Tallahassee (encarnado por el siempre eficiente Woody Harrelson) aceptará tutelar durante un tiempo a nuestro desdichado protagonista (Columbus desde ése mismo instante). A partir de dicho punto,"ZombieLand" adopta el estilo de una divertida y disparatada road movie de situación con zombies de por medio. A semejante pareja, no le faltará la compañía fémina: Emma Stone (Wichita en el film) y Abigail Breslin (Little Rock), harán la réplica por parte del sexo contrario. Si al principio de su aventura la tensión es tan palpable que se puede cortar con un cuchillo (ambas mujeres son de armas tomar), conforme avanza la película, te irás dando cuenta de como cada protagonista evoluciona lentamente, e incluso, te llegarás a sentir identificado con alguno de ellos en según que lugares y situaciones. Cada personaje tiene unos roles bien definidos y diferenciados, y todos irán cambiando y adaptándose al mundo que les toca vivir, y por ende, a las personas que el destino les ha dado como compañeros. Si bien es cierto que no explora plenamente lo que podría haber dado de sí una película de tales características, llega un momento en el que el espectador más avispado se dará cuenta, de que la premisa subyacente durante todo el metraje (sin contar la mera supervivencia), es la aceptación por parte de alguien. El miedo a sentirse solo o desamparado en un mundo tanto o más cruel que el actual. Y eso hace a "ZombieLand" increíblemente arrebatadora. Ya vale de películas de zombies con mensajes profundos. En la sencillez de las historias, muchas veces, radica su grandeza.

"ZombieLand" es al humor americano y su forma de hacer cine, lo que fué en su día Zombies Party a sus homólogos ingleses. De hecho, las comparaciones entre ambas películas estan a la orden del día, compartiendo ciertos lugares comunes (obviando la brutal diferencia entre culturas y estilos de vida así como formas y técnicas de rodaje) y recursos argumentales. El director de la presente "ZombieLand" ha evitado y esquivado las odiosas comparaciones en todas sus declaraciones y comentarios sobre su película, pero la yuxtaposición de los dos films es tan evidente, que bien podría darse a estudio en alguna que otra escuela de cine.

Si argumentalmente es bastante correcta, en el plano técnico, es soberbia. "ZombieLand" arranca poderosísima con unos títulos de crédito realmente inspirados y acompañados de una banda sonora de infarto. Los recursos visuales y estéticos sorprenderán durante toda la cinta (increíble lo bien mostradas e integradas que están todas las reglas en casi cualquier escena en el metraje), y son todo un acierto narrativo de cara al espectador. Con respecto a la banda sonora, no faltarán ni temas melódicos y composiciones relajadas propias de la América más country y profunda, ni canciones rockeras de pura cepa. El nivel conseguido en el plano musical y técnico es realmente digno de admiración, y recuerda vagamente al presentado por otros directores como el mismísimo Zack Snyder en sus películas (El Amanecer de los Muertos y Watchmen traían ambas un buen compendio de excelente gusto musical). Grupos como Metallica y Blue Oyster Cult, a cantantes como Paul Anka o Willie Nelson. Un dulce equilibrio que engrandece aún más a la película en cuestión.

"ZombieLand" es una maravillosa película de zombies, contiene una historia sencilla y algo romántica (que se desinfla algo hacia el final), pero es a su vez, también una buena comedia de carretera. Con un buen reparto ( cuenta con un asombroso cameo de alguien al que muchos profesan una admiración absoluta ), un casi perfecto plano técnico y una banda sonora digna de escuchar, "ZombieLand" es una película que no debe perderse el buen amante del género de zombies y que también puede llegar a gustar al que jamás se ha atrevido a adentrarse en el. ¿Podría haber sido mejor? Posiblemente, pero el resultado es a todas luces, envidiable, y quizás, es bastante probable, que algún día se encuentre como cierto referente del género. Muy recomendable.

Por si hay gente que le ha entrado la curiosidad de escuchar la banda sonora de la pelicula despues de leer mi critica, os dejo el enlace a una playlist del Spotify desde donde podreis escucharla entera (Pulsais en el enlace y se os abrirá el Spotify automaticamente con la lista de canciones)

http://open.spotify.com/user/scarecrow_marta/playlist/1lPa7TF4PDVDVEZfY3a8AE

Y bueno, aquí dejo mi primera entrada en este nuevo blog. Me llamo Flap-Jack y muchos sabeis quien soy pero otros no, hablaré de cine y de otras cosas, pero esencialmente me centraré en el séptimo arte.

Hasta la próxima entrada.

WPM - Crew.

¡Arrancamos motores!

2010-04-16T09:25:00.000-07:00

Bien, ésta es la entrada que inaugura el blog.
Trataremos de tocar todo tipo de temas, haciendo hincapié sobretodo en la música, el cine, y los videojuegos. Somos varios colaboradores, cada día escribirá uno de nosotros sobre un tema diferente, aún no estamos la formación completa pero estaremos todos en breve.
Bueno, poco más hay que decir, esperamos que os guste a todos.